Raphaël. La Madone Sixtine (1512-13)

Titien. L'Assomption de la Vierge (1516-18). Huile sur bois, 690 × 360 cm, Église Santa Maria Gloriosa dei Frari, Venise. L'Assomption de la Vierge, ou de Marie, est une légende religieuse selon laquelle la mère du Christ ne serait pas morte à la façon des humains mais aurait rejoint directement le paradis. Titien évoque cette croyance en trois plans. En bas, les apôtres sont sidérés par l'évènement. Au centre, la Vierge s'élève vers les cieux, sur un nuage, accompagnée d'une nuée d'anges. Tout en haut, Dieu l'attend. Considérée comme novatrice à l'époque cette œuvre reste pour les historiens un tournant dans la carrière de Titien. Elle met en évidence l'intensité de l'évènement par les couleurs vives, les contrastes ombre-lumière et l'accentuation des mouvements. En cela, elle préfigure déjà le baroque. Noter la puissance physique des personnages (Dieu, les apôtres), qui dénote une influence de Michel-Ange.

Raphaël. Transfiguration (1518-20). Huile sur bois, 405 × 218 cm, musées du Vatican, Rome. Episode biblique. Le Christ se rend sur le mont Thabor avec ses disciples Pierre, Jacques et Jean. Il se métamorphose physiquement, révélant ainsi sa nature divine. Selon la Bible, son visage change et ses vêtements deviennent d'une blancheur éclatante. Cette légende est illustrée par la partie supérieure du tableau. La partie inférieure concerne le miracle de l'enfant possédé : l'apparition du Christ libère un jeune garçon d'une possession démoniaque. L'œuvre préfigure le maniérisme par son luminisme (usage de couleurs vives) et l'accentuation des postures des personnages. Le tableau n'a pas été achevé par Raphaël mais probablement par Giulio Romano (1499-1546), son élève.

Pontormo. Déposition (v. 1528). Huile sur bois, 313 × 192 cm, Cappella Capponi, Santa Felicita, Florence. Scène biblique. Après la crucifixion de Jésus-Christ, son corps est descendu de la croix par Joseph d'Arimathie et Nicodème (descente de croix) puis déposé (déposition du Christ) pour être remis à sa mère Marie. Il s'agit d'un des chefs-d'œuvre de Pontormo et de l'acte de naissance de la bella maniera, c'est-à-dire du maniérisme. L'œuvre se situe dans la filiation de celles de Raphaël et Michel-Ange, mais accentue délibérément mouvements et expressions. La gamme chromatique est également orientée vers le contraste de couleurs vives juxtaposées (rose et bleu, rose et jaune). L'ensemble constitue un instantané saisissant d'un moment unique ; l'enchevêtrement des personnages, qui défie les lois de la physique, paraît à la fois totalement artificiel et esthétiquement sublime. L'objectif est bien là : produire une œuvre émotionnellement forte, d'une composition complexe et idéalisant à l'extrême une scène biblique : pas de traces de sang sur le corps de Christ, qui est d'une propreté parfaite. On peut songer qu'à peu près à la même époque, Matthias Grünewald peignait des crucifixions d'un réalisme extrême.

Etude détaillée

Francesco Salviati. Déposition (v. 1547). Huile sur bois, 430 × 160 cm, Basilique Santa Croce, Florence. Scène récurrente dans l’art occidental. Le Christ est mort sur la croix et des personnages saints le descendent avant sa mise au tombeau. Jusqu’à Raphaël, la scène était traitée dans un cadre naturel qui faisait apparaître des éléments de végétation en arrière-plan. Le maniérisme réduit le thème à sa quintessence en ne laissant apparaître qu’un enchevêtrement de personnages aux postures improbables mais esthétiquement sublimes. Les contrastes chromatiques appuyés entre les couleurs vives illuminent le tableau et constituent une autre caractéristique du maniérisme.

Simon Vouet. La crucifixion (1636-37). Huile sur toile, 216 × 146 cm, musée des Beaux-Arts de Lyon. « Pour la chapelle privée de son hôtel particulier, le chancelier Pierre Séguier fit appel à Simon Vouet, qui peignit avec ses collaborateurs un ensemble sur le thème de la vie du Christ. Seuls cinq tableaux sont aujourd'hui connus, dont La Crucifixion, la Cène et L’Incrédulité de saint Thomas, conservés au musée des Beaux-Arts de Lyon. Des gravures fournissent cependant des témoignages sur les autres éléments du décor. La Crucifixion, qui était placée au-dessus du maître-autel, se distingue par une grande économie de moyens.
Au pied de la croix, deux saintes femmes et saint Jean portent secours à la Vierge Marie évanouie, tandis que sainte Marie-Madeleine, isolée à gauche, semble saisie d'effroi. Vouet choisit de représenter le moment précis où le Christ, inclinant la tête, rend l'âme, tandis que le ciel s'assombrit en plein jour. Un faisceau lumineux détaille l'anatomie parfaite de l'Homme-Dieu, selon un idéal classique. La majesté du corps, dont la blancheur contraste avec l'arrière-plan orageux, est renforcée par une vue en contre-plongée.
Au pied de la croix, le groupe est baigné d'une lumière irréelle qui rappelle la formation de Vouet dans la Rome caravagesque. Elle modèle les figures enveloppées d'amples drapés, fait jouer les tons vifs et illumine les tons pastel. Vouet traduit la gamme des émotions par un jeu varié de gestes et des regards suggestifs. Des effets de courbes et de contre-courbes révèlent la compassion et l'intimité spirituelle des trois acteurs principaux. » (Commentaire musée des Beaux-Arts de Lyon)

Giovanni Benedetto Castiglione. L'Immaculée Conception avec les saints François d'Assise et Antoine de Padoue (1649-50). Huile sur toile, 367 × 221 cm, Minneapolis Institute of Arts. « La personnalité difficile et violente de Giovanni Benedetto Castiglione a souvent éclipsé ses capacités artistiques et son succès professionnel. Il aurait jeté sa sœur du haut d'un toit, envoyé son frère en prison et failli assassiner son neveu lors d'une bagarre. Pourtant, il a produit des peintures religieuses grandioses et inspirantes.
L'Immaculée Conception fait référence à la doctrine catholique selon laquelle la Vierge Marie, mère du Christ, est elle-même née sans péché. Suivant l'iconographie traditionnelle, Castiglione l'a représentée en reine du ciel, accompagnée d'anges et debout sur un croissant de lune, symbole de chasteté. La doctrine, très discutée, était soutenue par l'ordre des moines franciscains. D'où la présence de deux saints franciscains, François d'Assise à gauche et Antoine de Padoue à droite.
Cette œuvre, l'une des rares peintures documentées de la carrière de Castiglione, a été exécutée pour le maître-autel de la nouvelle église des Capucins à Osimo, une petite ville du centre de l'Italie. L'évêque d'Osimo, le cardinal Girolamo Verospi, a organisé la commande à Rome aux frais de Pier Filippo Fiorenzi, archidiacre de l'église, dont les armoiries familiales apparaissent en bas à gauche. Le tableau a été achevé en octobre 1650, quelques semaines avant que l'artiste et son frère ne s'enfuient mystérieusement de Rome, sans rien emporter, même, selon les archives, leurs sous-vêtements. » (Commentaire Minneapolis Institute of Arts)

Giambattista Tiepolo. L’Immaculée Conception (1767-68). Huile sur toile, 279 × 152 cm, musée du Prado, Madrid. « La Vierge apparaît sur la sphère du Monde et la demi-lune, marchant sur le serpent du péché originel, couronnée par la colombe du Saint-Esprit et entourée d'anges et d'une symbolique mariale. Celle-ci est représentée par la tige de fleurs de lys, le palmier, la source et le miroir. Cette scène constitue la manière traditionnelle de représenter l'Immaculée Conception de la Vierge, qui fut conçue sans le péché originel. » (Notice musée du Prado)