Raphaël

Raphaël. Autoportrait (1506)
Huile sur bois, 45 × 33 cm, Galerie des Offices, Florence.

Raphaël. Autoportrait avec un ami (1518-19)
Huile sur toile, 99 × 83 cm, musée du Louvre, Paris.
Raphaël est au second plan, l'identité du personnage de premier plan étant incertaine.

Raphaël. Saint Sébastien (1501-02). Huile sur bois, 43 × 34 cm, Accademia Carrara, Bergamo.
Sébastien est un martyr victime des persécutions de l'empereur romain Dioclétien au début du 4e siècle après J.-C. Selon la légende, il fut attaché à un poteau et transpercé de flèches. Mais il ne mourut pas et fut soigné par une jeune veuve nommée Irène. Rétabli, il reproche à Dioclétien sa cruauté envers les chrétiens. L'empereur le fait rouer de coups et fait jeter son corps dans les égouts de Rome. Irène fut brûlée vive. Ce tableau de jeunesse présente déjà les caractéristiques essentielles de la peinture de Raphael : sérénité, harmonie des formes et des couleurs, équilibre de la composition, transparence.

Raphaël. Crucifixion (1502-1503). Huile sur bois, 281 × 165 cm, National Gallery, Londres.
Appelée crucifixion Mond ou Gavari (noms d'anciens possesseurs de l'œuvre), cette peinture formait à l'origine la partie centrale d'un retable commandé pour l'église de San Domenico de Città di Castello (province de Pérouse). Il s'agit de la première œuvre signée de Raphaël et de la seule crucifixion qu'il ait peinte. Au pied de la croix sont représentés la Vierge, saint Jérôme, Marie-Madeleine, et Jean l'Evangéliste. L'influence du Pérugin, le maître de Raphaël, est très apparente.

Raphaël. Madone Conestabile (1504).Tempera sur bois transférée sur toile, diamètre 17,9 cm, musée de l'Ermitage, Saint-Petersbourg.
Le titre du tableau provient de son appartenance initiale à la famille Conestabile (ou Connestabile) de Pérouse. Le tableau conserve actuellement son cadre d'origine. Il s'agit d'une représentation classique de la Vierge avec l'Enfant Jésus, mais l'artiste a choisi le tondo (tableau circulaire). La composition circulaire s'harmonise autour des deux diamètres du cercle : le paysage horizontal en arrière-plan et le personnage vertical au premier plan.

Raphaël. Le mariage de la Vierge (1504). Huile sur panneau, 170 × 118 cm, Pinacothèque de Brera, Milan.
Ce tableau est directement inspiré du Mariage de la Vierge du Pérugin. Il s'agit d'un épisode de la tradition chrétienne au cours duquel Marie, mère de Jésus-Christ, épouse Joseph, devant le temple de Jérusalem. Ce thème est abondamment utilisé par les peintres à partir de Giotto (1267-1337) jusqu'au 17e siècle. Joseph passe la bague au doigt de Marie devant un prêtre : symétrie et effet de perspective produit par le temple en arrière-plan et le pavement de l'esplanade.

Raphaël. Les Trois Grâces (1504-05). Huile sur bois, 17 × 17 cm, musée Condé, Chantilly.
« Les Trois Grâces ont été exécutées par Raphaël en s'inspirant d'un marbre antique. La composition a été reprise par l'artiste qui, à l'origine, avait peint la femme de droite esquissant un geste de pudeur, celle du centre posant ses mains sur les épaules de ses compagnes et celle de gauche seule tenant une pomme. Il s'agissait donc d'un jugement de Pâris, le berger figurant sur un panneau de dimensions comparables conservé à la National Gallery de Londres sous le titre Le songe du Chevalier. Par la suite, Raphaël changea de parti et mit une pomme dans la main de chacune des femmes qui deviennent ainsi des Hespérides, conférant l'immortalité à celles à qui elles offriront ces pommes. Les trois boules d'or figurant dans les armes des Médicis pourraient aussi être une allusion au commanditaire du tableau. » (Notice musée de Chantilly)

Raphaël. La Madone du Grand-Duc (1505). Huile sur bois, 84 × 55 cm, Palais Pitti, Florence.
L'intitulé du tableau vient du Grand-Duc de Toscane Ferdinand III de Médicis (1663-1731) qui en fut propriétaire. On notera l'influence de Léonard de Vinci qui se manifeste par le sfumato (effet vaporeux) qui entoure les personnages.

Raphaël. Portrait d'Agnolo Doni (1506). Huile sur bois, 63 × 45 cm, Palais Pitti, Florence.
Agnolo Doni est un riche marchand florentin et un mécène. Son portrait et celui de sa femme, ci-après, ont été commandés peu après leur mariage en 1503. Les deux portraits formaient à l'origine un diptyque : ils étaient placés dans un cadre articulé afin qu'ils puissent être ouverts et fermés comme un livre. Les vêtements témoignent de la richesse du personnage.

Raphaël. Portrait de Maddalena Doni (1506). Huile sur bois, 63 × 45 cm, Palais Pitti, Florence.
Maddalena vient de la riche famille des Strozzi de Florence. Raphaël a étudié la peinture de Léonard de Vinci à cette époque. Il s'inspire ici de La Joconde, réalisée entre 1503 et 1505 par Vinci. La position du personnage est très similaire, mais Raphaël apporte un soin extrême à la représentation des vêtements et des bijoux. La Joconde ne porte aucun bijou.

Raphaël. Madone à la prairie (1506). Huile sur bois, 113 × 88 cm, Kunsthistorisches Museum, Autriche.
Aussi appelé Madone du Belvédère, ce tableau représente la Vierge, l'enfant Jésus et saint Jean-Baptiste enfant à gauche. La composition pyramidale des personnages s'inspire de Léonard de Vinci, de même que le paysage à l'arrière-plan qui devient indistinct et monocolore dans les lointains. L'artiste a réalisé plusieurs œuvres très semblables à cette époque. Voir ci-après la Vierge au chardonneret.

Etude détaillée

Raphaël. Madone del Cardellino (1506). Huile sur bois, 107 × 77 cm, Galerie des Offices, Florence.
En français, Vierge au chardonneret. Composition proche de la Madone à la prairie et comportant les mêmes personnages.

Raphaël. Portrait de Guidobaldo de Montefeltro (1507). Huile sur bois, 71 × 50 cm, Galerie des Offices, Florence.
Le personnage représenté est Guidobaldo Ier de Montefeltro, duc d'Urbino (1482-1508), ville située dans la province des Marches, dans le centre de l'Italie.

Raphaël. Madone Tempi (1508). Huile sur toile, 75 × 51 cm, Alte Pinakotek, Munich. L'œuvre doit son nom à la famille Tempi qui la détenait au 19e siècle. La Vierge est ici un prétexte pour évoquer la tendresse de la mère pour son enfant. Tout est douceur dans l'attitude de la femme, mais l'enfant observe autre chose, hors-champ. A la sérénité propre à la peinture de Raphaël et exprimée par les couleurs douces et l'équilibre de la composition, s'ajoute ici l'émotion parfaitement rendue sur le visage de la Vierge et une certaine sensualité tendre provenant des voiles et des gestes.

Raphaël. Madone Aldobrandi (1510). Huile sur bois, 38,7 × 32,7 cm, National Gallery, Londres.
Aussi appelé Madone Garvagh. Il s'agit de familles ayant détenu le tableau. La Vierge tient dans ses bras l'Enfant Jésus qui joue avec saint Jean-Baptiste enfant, à gauche. La composition est encore pyramidale. A l'arrière-plan, un paysage des environs de Rome.

Raphaël. Portrait du Pape Jules II (1511-12). Huile sur bois, 108 × 80,7 cm, National Gallery, Londres.
Jules II (1443-1513) appartient à la famille Della Rovere, originaire du Piémont, une puissante famille aristocratique italienne. Il devient pape en 1503. A propos du tableau, Giorgio Vasari écrit : « Il a fait un portrait du pape Jules si travaillé et si réaliste, que le portrait a causé à tous ceux qui l'ont vu des tremblements comme si cela avait été l'homme vivant lui-même. » (*)

Raphaël. Portrait de Bindo Altoviti (1512-15). Huile sur bois, 60 × 44 cm, National Gallery, Washington.
Bindo Altoviti est né en 1491 à Florence dans une riche famille de banquiers. S'étant opposée aux Médicis, la famille quitta Florence pour Rome. Bindo Altoviti est un financier important de la cour pontificale, un homme cultivé et un mécène. Le tableau permet d'apprécier l'influence de Vinci sur Raphaël : clair-obscur, visage androgyne peut-être accentué par l'artiste, posture gracieuse proche de la féminité.

Raphaël. La Vierge à la chaise (1513-14). Huile sur bois, diamètre 71 cm, Palais Pitti, Florence. Ce tondo représente une Vierge à L’Enfant avec Jean Baptiste enfant priant. Le regard de la Vierge et celui de l’enfant, tournés vers le spectateur, instaurent un dialogue visuel. La sérénité de la mère, emprunte de tristesse, renvoie au destin tragique de l’enfant.

Raphaël. La Donna velata (1516). Huile sur toile, 82 × 60,5 cm, Palais Pitti, Florence.
En français, la dame voilée. Il s'agit probablement de Margherita Luti, maîtresse de Raphaël, dont le peintre a fait un autre portrait intitulé La Fornarina (la boulangère, ci-après).

Raphaël. La Sainte Famille (v. 1518). Huile sur bois transférée sur toile, 207 × 140 cm, musée du Louvre, Paris.
La Sainte Famille est le nom donné par les chrétiens à la famille formée par Jésus de Nazareth et ses parents, Marie et Joseph. « Réalisée avec la collaboration des membres de l'atelier, tels que Giovanni da Udine à qui on attribue le bouquet et le pavement de marbre, et Giulio Romano, auteur probable des figures de sainte Élisabeth et du petit saint Jean, La Grande Sainte Famille témoigne du style tardif de Raphaël, dominé par la monumentalité des figures, la maîtrise spatiale, et l'adhésion au luminisme sombre de Léonard. » (Notice musée du Louvre)

Raphaël. La Fornarina (1518-19). Huile sur bois, 85 × 60 cm, Palais Barberini, Rome.
Fornarina signifie boulangère. Il s'agit de Margherita Luti, fille du boulanger Francesco Luti da Siena et maîtresse de Raphaël lorsqu'il était à Rome. Sur le ruban qui entoure le bras du personnage, on peut lire « RAPHAEL URBINAS », signature de l'artiste. L'attribution à Raphaël reste cependant discutée.

Raphaël. Portrait d'un jeune homme (1515-19). Huile sur bois, 44 × 29 cm, Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid.
L'identité du modèle n'est pas connue avec certitude, mais le nom d'Alessandro de Médicis (1510-1537), fils illégitime de Laurent II de Médicis, a été cité. Il fut surnommé Le Maure en raison de la couleur de sa peau.

Raphaël. La Vierge à la rose (1518-20). Huile sur bois transférée sur toile, 103 × 84 cm, musée du Prado, Madrid.
Il s'agit d'une Sainte Famille, nom donné par les chrétiens à la famille formée par Jésus de Nazareth et ses parents, Marie et Joseph. S'y ajoute ici Saint Jean Baptiste, enfant (à gauche). La rose (ou le buisson de roses) est un accessoire de l'iconographie chrétienne qui symbolise l'amour universel. Les enfants tiennent un phylactère, c'est-à-dire une petite banderole sur laquelle figurent des inscriptions à caractère religieux.

Raphaël. Transfiguration (1518-20). Huile sur bois, 405 × 218 cm, musées du Vatican, Rome.
Episode biblique. Le Christ se rend sur le mont Thabor avec ses disciples Pierre, Jacques et Jean. Il se métamorphose physiquement, révélant ainsi sa nature divine. Selon la Bible, son visage change et ses vêtements deviennent d'une blancheur éclatante. Cette légende est illustrée par la partie supérieure du tableau. La partie inférieure concerne le miracle de l'enfant possédé : l'apparition du Christ libère un jeune garçon d'une possession démoniaque. L'œuvre préfigure le maniérisme par son luminisme (usage de couleurs vives) et l'accentuation des postures des personnages. Le tableau n'a pas été achevé par Raphaël mais probablement par Giulio Romano (1499-1546), son élève.

Raphaël. Portrait de jeune femme (v. 1520). Huile sur bois, 60 × 44 cm, musée des Beaux-arts, Strasbourg.
L'identité du modèle n'est pas connue. L'attribution à Raphaël ne fait pas l'unanimité et le nom de son élève Giulio Romano (1499-1546) a été cité comme possible auteur. Cependant, une large majorité des spécialistes voit dans ce portrait une œuvre de Raphaël avec une collaboration de son élève. Les qualités rares de ce portrait inclinent en effet à le penser : rendu du moiré du tissu, mais surtout exceptionnelle réussite du visage, qu'il s'agisse de l'intensité douce et fière du regard ou de la carnation aux dégradés subtils qui s'appuient sur une parfaite maîtrise des effets d'ombre et de lumière.

Raphaël. Chambre de la Signature (1509-11). Fresques.
Cette pièce du Vatican doit son nom au tribunal suprême de la Signature apostolique qui s'y réunissait au 16e siècle. Raphaël y réalisa quatre fresques : L'École d'Athènes, La dispute du Saint-Sacrement, Le Parnasse, Les vertus cardinales et théologales.

Raphaël. L'École d'Athènes (1509). Fresque, base 770 cm.
Cette fresque symbolise la philosophie et la pensée à la recherche du vrai. Y sont représentés 58 personnages de l'Antiquité. Par exemple, au premier plan à gauche, lisant en position assise, Pythagore. Au centre, en position mi-allongée sur les marches, Diogène.

Raphaël. Chambre d'Héliodore (1512-14). Quatre fresques illustrent le thème de la protection accordée par Dieu à l'Église catholique : La messe de Bolsona, La délivrance de Saint Pierre, La rencontre entre Léon Ier le Grand et Attila, Héliodore chassé du temple.

Raphaël. La Délivrance de Saint Pierre, détail (1514). Un ange libère saint Pierre, emprisonné par les romains.

Raphaël. Chambre de l'incendie du Borgo (1514-17). Il s'agit de quatre épisodes de l'histoire de l'Église au cours de l'époque carolingienne : Le couronnement de Charlemagne, Le Serment de Léon III, L'incendie du Bourg (Borgo), La bataille d'Ostie.

Raphaël. L'incendie du Bourg, détail (1514)

Raphaël. Chambre de Constantin (1517-25). Les fresques ont été réalisées par les élèves de Raphaël sur la base de ses dessins. Constantin (306-337) fut le premier empereur romain à reconnaître officiellement la religion chrétienne. Les cinq fresques lui rendent hommage : La vision de la croix, La bataille de Constantin contre Maxence, Le baptême de Constantin, La donation de Rome, Le triomphe de la religion chrétienne (voûte).

Raphaël. La vision de la croix, détail (1520-24). L'empereur Constantin montre à ses troupes une croix qui apparaît dans le ciel.

Raphaël. Le triomphe de Galatée (1511). Fresque, 295 × 224 cm, Villa Farnesina, Rome.
Mythologie grecque. Galatée est une des cinquante Néréides ou nymphes marines. Les Néréides sont les filles de Nérée et de Doris, dieu et déesse de la mer. Galatée est censée habiter les rivages de Sicile. L'interprétation de la fresque est assez libre et plusieurs propositions ont été faites, dont une illustration d'un poème de Politien. En laissant de côté les interprétations purement sémantiques, on peut y voir, comme pour La Naissance de Vénus de Botticelli, un dépassement de la peinture religieuse de l'époque qui constitue à la fois un acte de liberté et un idéal de beauté.

Raphaël. La Loggia de Psyché (1517-18). Fresque, Villa Farnesina, Rome.
Psyché est un personnage de la mythologie grecque. Fille d'un roi, d'une beauté exceptionnelle, elle suscite la jalousie d'Aphrodite (Vénus chez les romains), la déesse de l'amour. Comme de coutume dans la mythologie antique, elle est confrontée à de multiples péripéties. Les dessins préparatoires sont de Raphaël, mais la réalisation est très largement attribuable à ses élèves.

Raphaël. La Loggia de Psyché, détail (1517-18). Fresque, Villa Farnesina, Rome.
Il s'agit de Vénus ou Aphrodite et Psyché. Dans la mythologie, Vénus est jalouse de la beauté de Psyché et manœuvre pour la conduire à sa perte.