Lorenzo Monaco

Lorenzo Monaco. Prédelle du Banquet d’Hérode (1387-88). Tempera sur bois, 203 × 34 cm, musée du Louvre, Paris. « Eléments d'une prédelle à laquelle appartenaient trois autres panneaux partagés entre la National Gallery de Londres et deux collections privées, ainsi qu'un quatrième dont la trace est perdue. Cette prédelle provient sans doute du retable peint pour la chapelle Nobili de l'église du couvent Santa Maria degli Angeli de Florence dont les panneaux principaux, La Vierge et l'Enfant entourés d'anges, Saint Jean l'Evangéliste et saint Jean Baptiste, Saint Jacques le Majeur et saint Barthélemy (Berlin, Bodemuseum) sont l'œuvre d'Agnolo Gaddi, dans l'atelier de qui Lorenzo Monaco a dû se former. (Base Atlas, Louvre).

Détails ci-après.

Lorenzo Monaco. Le banquet d’Hérode (1387-88). Tempera sur bois, 67,7 × 33,8 cm, musée du Louvre, Paris. Le récit figure dans l’Évangile selon Marc. Le roi de Galilée Hérode Antipas II  (21 av. JC-39 ap. JC) offre un banquet aux hommes de haut rang de son royaume. Salomé, la fille d'Hérode danse devant lui. Il en est heureux et lui offre tout ce qu'elle demande en retour. La jeune fille consulte sa mère et elle lui propose de demander la tête de Jean-Baptiste. À contrecœur, Hérode ordonne la décapitation de Jean-Baptiste. Sa tête est livrée à Salomé sur un plat.

Lorenzo Monaco. La Crucifixion (1387-88). Tempera sur bois, 67,5 × 34,3 cm, musée du Louvre, Paris. Selon le Nouveau Testament, Jésus de Nazareth fut condamné à mort par le préfet romain Ponce Pilate, puis exécuté par le supplice de la croix. Pilate fit inscrire sur la croix l’acronyme INRI : Iesus Nazarenus Rex Iudaeorum (Jésus le Nazaréen roi des Juifs).

Lorenzo Monaco. Le martyre de saint Jacques le Majeur (1387-88). Tempera sur bois, 67,3 × 34 cm, musée du Louvre, Paris. Jacques le Majeur est l'un des Douze Apôtres de Jésus-Christ. Nommé Jacques, fils de Zébédée dans le Nouveau Testament, il est le frère de l'apôtre Jean. Tous deux sont des pêcheurs du lac de Tibériade. Selon La Légende dorée de Jacques de Voragine (13^e siècle), il eut pour adversaire le magicien Hermogène, mais parvint à le convertir. Il fut tué en Palestine avec une épée et son exécution provoqua un soulèvement populaire.
A gauche du tableau, saint Jacques, assis sur un trône, tente de convertir Hermogène, assailli par des créatures démoniaques. A droite, saint Jacques est décapité.

Lorenzo Monaco. Lamentation (1408). Tempera sur bois, 68 × 28,5 cm, Galerie Nationale, Prague. « Dans un endroit sombre et désert, dominé par une grande croix, la Vierge Marie et des proches pleurent ensemble la mort du Christ. Une profonde tristesse domine tout le paysage, comme si le temps s'était arrêté ; à l’exception des personnes qui se lamentent, aucune âme vivante n’apparaît. L'ambiance tragique est accentuée par les lignes verticales des rochers et des tours sombres en arrière-plan. La scène de la Lamentation faisait à l'origine partie d’un retable en trois parties. Les ailes avec les scènes du Christ au Jardin des Oliviers et des Trois Marie au Tombeau sont conservées dans les collections du Louvre à Paris. » (Commentaire Galerie nationale, Prague)

Lorenzo Monaco. Le Christ au jardin des Oliviers ; Les Saintes Femmes au tombeau (1408). Tempera et or sur bois, 66 × 12,7 cm, musée du Louvre, Paris. « Revers des volets latéraux d'un triptyque dont le panneau central est une Déploration du Christ conservée à la Narodni Galerie de Prague. Les deux panneaux ont été réunis à une date tardive dans un montage factice. » (Base Atlas, Louvre).
Panneau de gauche. La prière au Jardin des Oliviers est un épisode de la vie du Christ précédant son arrestation dans ce jardin à Jérusalem. Jésus prie durant la nuit avec à ses côtés Pierre, Jean et Jacques le Mineur endormis.
Panneau de droite. Selon la légende, trois femmes disciples de Jésus, Marie Madeleine, Marie Salomé et Marie Jacobé, seraient venues au tombeau du Christ le dimanche suivant sa crucifixion pour embaumer son corps.

Lorenzo Monaco. Le couronnement de la Vierge (1407-09). Tempera et or sur bois, 322 × 221 cm, National Gallery, Londres. Le couronnement de la Vierge est un épisode de la tradition chrétienne selon lequel la Vierge est accueillie au paradis par le Christ qui pose sur sa tête une couronne. A la cérémonie céleste participent des anges musiciens et des saints.
Sur le panneau de gauche, saint Benoît (en blanc) est accompagné de saint Jean-Baptiste (en rose) et de saint Matthieu (en bleu). Sur le panneau de droite apparaissent saint Romuald (en blanc), saint Pierre (en jaune) et saint Jean l'Évangéliste (en rose).
« Cet immense polyptyque a été peint pour le maître-autel du monastère de San Benedetto fuori della Porta Pinti à Florence entre 1407 et 1409. Il était à l'origine encore plus grand et plus complexe : ses principaux panneaux et parties de la prédelle sont à la National Gallery, mais d'autres parties sont dispersées dans des collections à travers le monde. » (Commentaire National Gallery)

Lorenzo Monaco. Triptyque de l'Annonciation (1410-15). Tempera sur bois, 206 × 231,5 cm, Galerie de l’Académie, Florence. Ce triptyque fut commandé pour l'église San Procolo de Florence. La scène centrale est une Annonciation, épisode de la tradition chrétienne au cours duquel l’archange Gabriel (en rose) annonce à la Vierge Marie la naissance prochaine du Christ (maternité divine de la Vierge selon le dogme chrétien). Au-dessus figure un tondo du Christ bénissant. Les panneaux latéraux se refermaient sur la scène centrale et n’étaient ouverts que pour les cérémonies religieuses.
Panneau de gauche : sainte Catherine d'Alexandrie et saint Antoine abbé. Panneau de droite : saint Proculus et saint François d'Assise. Les noms de personnages figurent sur les cartels apparaissant à la base du retable.

Lorenzo Monaco. Triptyque de l'Annonciation, scène centrale (1410-15). La recherche du réalisme des personnages saints, qui sera un axe majeur de la Renaissance (humanisation complète) est encore lointaine au début du 15^e siècle. La peinture a totalement quitté l’hiératisme de l’art byzantin et cherche une élégance très maniériste, caractéristique du gothique international. Les plus grands artistes parviennent dans cette voie à des chefs-d’œuvre. La luminosité éclatante et l’élégance du trait nous apparaissent immédiatement sur ce panneau. La première provient du fond or et des couleurs vives et complémentaires choisis (rose et bleu). La seconde résulte du dessin apparent et du génie de l’artiste pour traduire la légèreté et la délicatesse.

Lorenzo Monaco. Vierge de l’Annonciation (1410-15). Tempera et or sur bois, 80,3 × 44,5 cm, Norton Simon Museum, Pasadena. L’Annonciation est un épisode de la tradition chrétienne au cours duquel l’archange Gabriel annonce à la Vierge Marie la naissance prochaine du Christ (maternité divine de la Vierge selon le dogme chrétien). Seule la Vierge apparait ici. Un second panneau, placé à gauche, représentait à l’origine l’Archange Gabriel. « Même en l'absence de ce panneau, le geste soigneusement mesuré de la Vierge et sa pose attentive et modeste traduisent son étonnement. Son élégance formelle domine le tableau, suivant la tradition médiévale tardive de placer la figure principale au premier plan. Pour les étoffes, Lorenzo aime utiliser un bleu brillant - rehaussé de jaune, rose et vert - et étudier les motifs rythmiques de leur tomber. L'expertise du peintre en tant qu’enlumineur de manuscrits explique le caractère décoratif des détails, qu’il s’agisse des broderies du vêtement ou du filigrane du nimbe. » (Commentaire Norton Simon Museum)

Lorenzo Monaco. Vierge de l’Annonciation, détail (1410-15). L’élongation des corps (ici la main exagérément longue) est une caractéristique du gothique tardif, que l’on retrouvera au 16^e siècle avec le maniérisme et même au 20^e siècle chez certains artistes, par exemple Modigliani.

Lorenzo Monaco. Le couronnement de la Vierge (1414). Tempera et or sur bois, 450 × 350 cm, Galerie des Offices, Florence. Ce polyptyque est considérée l’un des chefs-d'œuvre italiens du style gothique international. Le cadre en bois doré, presque entièrement reconstruit, détermine l'espace où s'insèrent les images. Le panneau central semble formé de trois parties en raison des trois cuspides qui le composent. En réalité, il s’agit d’une seule pièce de bois. Lorenzo Monaco avait déjà réalisé en 1407-09 un polyptyque sur le même sujet, qui est actuellement à la National Gallery (voir ci-dessus). Il reprend la même composition et le même chromatisme.
La scène centrale se situe au paradis, symbolisé par le fond doré et les bandes bleues étoilées du premier plan. La prédelle (partie basse) illustre la vie de saint Benoît (fondateur de l’Ordre des Bénédictins dont les Camaldules ont adopté la règle) et celle de saint Bernard de Clairvaux.
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Analyse détaillée

Lorenzo Monaco. Le couronnement de la Vierge, scène centrale (1414). Le couronnement de la Vierge est un épisode de la tradition chrétienne selon lequel la Vierge est accueillie au paradis par le Christ qui pose sur sa tête une couronne. A la cérémonie céleste participent des anges musiciens et des saints. La gestuelle très expressive des personnages et les couleurs vives rattachent la composition au gothique international.

Lorenzo Monaco. Le couronnement de la Vierge, détail (1414). Le nimbe ou auréole entoure la tête du Christ et de la Vierge pour indiquer leur statut divin ou saint. Le vêtement blanc de Marie symbolise la virginité. Le temps n’existe pas pour le Christ et la Vierge, sa mère, représentée comme une jeune femme.

Lorenzo Monaco. La Vierge d'humilité (v. 1415). Tempera et or sur bois, 92 × 54 cm, musée du Louvre, Paris. « À la partie inférieure du cadre figurent les armes des familles florentines Corsini et Alberti. Le Dieu le Père, contenu dans un médaillon à la partie supérieure, n'est pas de la main de Lorenzo Monaco. » (Commentaire base Atlas, Louvre)

Lorenzo Monaco. La Vierge d'humilité, détail (v. 1415). La Vierge d’humilité apparaît vers le milieu de 14^e siècle et remplace progressivement la Vierge en majesté (Maestà, par exemple celle de Cimabue de 1285, galerie des Offices) provenant de l’art byzantin. Alors que la Vierge était présentée comme une reine des cieux, distante et imposante, elle devient alors une mère jouant avec son enfant.

Lorenzo Monaco. Saint Romuald (v. 1420). Tempera sur bois, 29,5 × 27 cm, Kress Fondation, New York. Romuald de Ravenne (v. 950-1027) a fondé l'ordre camaldule en 1012 à Camaldoli, dans la haute vallée de l'Arno en Toscane (Italie), sous la règle de saint Benoît. Lorenzo Monaco appartenait à cet ordre religieux. Sur le portrait, la tenue de saint Romuald correspond à la réalité de l’époque : les moines camaldule devaient porter l’habit blanc et la barbe.

Lorenzo Monaco. Saint Romuald, détail (v. 1420). L’humanisation du visage est complète et annonce la Renaissance. Le nimbe se dessine sur l’arrière-plan or avec une extrême minutie.

Lorenzo Monaco. L’Adoration des mages (1420-22). Tempera sur bois, 115 × 117 cm, Galerie des Offices, Florence. Selon la tradition chrétienne, trois mages (astronomes) auraient suivi une étoile vers le lieu de naissance de Jésus-Christ. Arrivés près de Jésus, ils lui offrent l’or, l’encens et la myrrhe.
L’Adoration des Mages est un tableau unique conservant l’apparence du triptyque dans la partie supérieure (trois arcs), mais comportant une seule scène du fait de la disparition des colonnes supportant des arcs. Les dorures subsistent, mais le fond or uniforme est remplacé sous les arcades par un paysage stylisé. Le tableau, considéré comme un chef-d’œuvre du gothique international, fut commandé pour 182 florins afin de décorer le maître-autel de de l'église Sant'Egidio de Florence. Le prix très élevé indique le prestige exceptionnel de l’artiste.
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Lorenzo Monaco. L’Adoration des mages, détail (1420-22). Selon la tradition chrétienne, trois mages (astronomes) auraient suivi une étoile vers le lieu de naissance de Jésus-Christ. Arrivés près de Jésus, ils lui offrent l’or, l’encens et la myrrhe.

Lorenzo Monaco. Annonciation Bartolini Salimbeni (1420-24). Tempera et or sur bois, chapelle Bartolini Salimbeni de la basilique Santa Trinita, Florence. Ce retable venait compléter les fresques réalisées par Lorenzo Monaco pour la même chapelle. La scène principale est une Annonciation, épisode de la tradition chrétienne au cours duquel l’archange Gabriel (en rose) annonce à la Vierge Marie la naissance prochaine du Christ (maternité divine de la Vierge selon le dogme chrétien). Au sommet du retable figurent trois prophètes, chacun dans un tondo. La prédelle comporte quatre scènes du  Nouveau Testament.

Lorenzo Monaco. Annonciation Bartolini Salimbeni, scène centrale (1420-24). L’artiste parvient à créer maladroitement une impression d’espace en plaçant une ouverture à l’arrière-plan et en utilisant les lignes du pavage au sol. Ces artifices de représentation seront abondamment utilisés pendant toute la Renaissance pour obtenir un effet de perspective. On remarque les doigts effilés de l’archange Gabriel (à gauche) et de la Vierge (à droite), caractéristiques du gothique international.

Lorenzo Monaco. Annonciation Bartolini Salimbeni, la Visitation (1420-24). Première scène de la prédelle. La Visitation est un épisode de l’Évangile selon saint Luc. Marie, qui attend le Christ, rend visité à sa cousine Élisabeth, enceinte de Jean-Baptiste. Élisabeth prononce ces paroles : « Tu es bénie entre les femmes, et béni le fruit de son sein. » Ce sont les premiers mots du Je vous salue Marie, l’une des principales prières catholiques.

Lorenzo Monaco. Annonciation Bartolini Salimbeni, La Nativité (1420-24). Deuxième scène de la prédelle. Episode biblique de la naissance de Jésus-Christ. Marie (mère), Joseph (époux de Marie) et quelques personnages saints ainsi que des anges sont en général représentés.

Lorenzo Monaco. Annonciation Bartolini Salimbeni, L’Adoration des mages (1420-24). Troisième scène de la prédelle. Selon la tradition chrétienne, trois mages (astronomes) auraient suivi une étoile vers le lieu de naissance de Jésus-Christ. Arrivés près de Jésus, ils lui offrent l’or, l’encens et la myrrhe.

Lorenzo Monaco. Annonciation Bartolini Salimbeni, La fuite en Égypte (1420-24). Quatrième scène de la prédelle. Le roi Hérode I^er de Palestine, ayant appris la naissance à Bethléem du roi des Juifs, donne l’ordre de tuer tous les enfants de moins de deux ans se trouvant dans la ville. Prévenu par un songe, Joseph s’enfuit en Égypte avec l’enfant Jésus et sa mère Marie. Ils y resteront jusqu’à la mort d’Hérode.

Lorenzo Monaco. La vie de la Vierge (1420-24). Fresque, chapelle Bartolini Salimbeni de la basilique Santa Trinita, Florence. Ces fresques illustrent des épisodes de la vie de la Vierge, thème souvent traité à l’époque. Les fresques, recouvertes de plâtre blanc en 1740, ne furent redécouvertes qu'entre 1885 et 1887.

Lorenzo Monaco. Le Mariage de la Vierge (1420-24). Fresque, 210  × 230 cm, chapelle Bartolini Salimbeni de la basilique Santa Trinita, Florence. L’un des évènements traités par ce cycle de fresques est le mariage de la Vierge. Il s’agit d’un épisode de la tradition chrétienne au cours duquel Marie, mère de Jésus-Christ, épouse Joseph, dans la ville de Jérusalem. Ce thème est abondamment utilisé par les peintres à partir de Giotto (1267-1337) jusqu’au 17^e siècle.

Lorenzo Monaco. La rencontre d’Anne et Joachim à la Porte Dorée (1420-24). Fresque, chapelle Bartolini Salimbeni de la basilique Santa Trinita, Florence. Selon la légende chrétienne, Joachim est l’époux de sainte Anne et le père de la Vierge Marie. Longtemps, Joachim et Anne restent sans enfants. Au cours d’une fête religieuse à Jérusalem, le Grand Prêtre refuse les offrandes de Joachim, son infertilité étant un signe de malédiction. Joachim, honteux, n'ose pas rentrer chez lui et se retire dans le désert auprès de bergers. Un jour, un ange annonce à Joachim que son épouse va mettre au monde un enfant qu'ils devront appeler Marie. L'ange prévient aussi Anne. Joachim rentre à Jérusalem et les deux époux se rencontrent devant la Porte Dorée. Anne est miraculeusement enceinte de Marie, malgré l’âge avancé des époux et leur séparation. Tous deux se retrouvent dans l'indifférence des témoins de la scène. Giotto avait déjà traité le sujet vers 1305 sur les fresques de la chapelle Scrovegni de Padoue. Le mythe de l'immaculée conception résulte de cet épisode biblique.

Lorenzo Monaco. Antiphonaire, chœur livre 5 (1394). Enluminure tempera et or sur parchemin, Biblioteca Medicea Laurenziana, Florence. Un antiphonaire est un livre liturgique catholique dans lequel sont regroupées des partitions grégoriennes. La lettre G apparaît en bleu et jaune pâle avec une ornementation foliaire. Saint Georges terrasse le dragon dans la partie supérieure et l’enfer apparaît dans la partie inférieure.

Lorenzo Monaco. Antiphonaire, chœur 8, folio 134 (1395-98). Enluminure tempera et or sur parchemin, 34,4 × 41,4 cm, National Gallery of Art, Washington. L’enluminure porte sur la lettre S, représentée en bleu et jaune pâle avec des feuilles orange. Saint Pierre est agenouillé devant le Christ, qui pose une main sur la tête de l’apôtre pour le bénir.

Lorenzo Monaco. Antiphonaire, chœur 3, folio 59 (v. 1410). Enluminure tempera et or sur parchemin, 40,2 × 32,7 cm, collection Bernard H. Breslauer, New York. Il s’agit d’une enluminure portant sur la lettre V, représentée en rose et bleu. A l’intérieur du V apparaît un paysage rocheux avec les douze apôtres agenouillés devant le Christ trônant sur des nuages.