Jules Breton

Jules Breton. La Brasserie Bretonne à Courrières (v. 1845-50). Huile sur toile, 62 × 85 cm, collection particulière. Le peintre a une vingtaine d’années lorsqu’il réalise ce tableau d’un lieu bien connu de sa ville natale. Il n’a pas encore trouvé le type de composition qui fera sa célébrité, axé sur les figures humaines de la ruralité, en général idéalisées. Le dépouillement de ce paysage de brasserie, sans aucune animation, ne pouvait sans doute pas séduire les commanditaires de l’époque. Breton évoluera rapidement.

Jules Breton. L'arc-en-ciel à Courrières (1855). Huile sur toile, 39 × 49 cm, Petit Palais, musée des Beaux-arts de la Ville de Paris. « Courrières est une petite ville, dans le Pas-de-Calais, où Jules Breton est né. Au premier plan, trois paysannes glanent dans un champ. A l'arrière-plan, un arc-en-ciel se détache sur un ciel sombre au-dessus d'un corps de ferme à toit rouge encadré d'arbres. » (Commentaire site Paris Musées)

Jules Breton. L’incendie d’une meule (1856). Huile sur toile, collection particulière. Ce tableau a connu le succès en Angleterre à la suite de son exposition à La French Gallery à Londres. La carrière internationale du peintre débute alors. La description minutieuse de la panique résultant de l’incendie et des faibles moyens disponibles pour le combattre ont séduit par son réalisme le public anglo-saxon.

Jules Breton. La Bénédiction des blés en Artois (1857).  Huile sur toile, 128 × 320 cm, musée d’Orsay, Paris. « Présenté au Salon de 1857, en même temps que Des glaneuses de Millet, ce vaste tableau vaut à Jules Breton une médaille de deuxième classe. Marque de consécration officielle pour un artiste encore jeune, l'œuvre est même acquise par l'Etat pour le musée du Luxembourg. Il faut dire que cette représentation de la vie rustique est plaisante, comparée à la vision plus réaliste de Millet.
Nous assistons à une procession des Rogations, qui se déroule dans les trois jours précédant l'Ascension. Aux alentours de Courrières, le village natal de Breton, les jeunes filles en communiantes, le clergé, les notables locaux arpentent la campagne pour attirer sur les récoltes à venir la bénédiction du ciel. La scène met en lumière la place importante du christianisme dans la vie rurale.
L'artiste a multiplié les études précises des costumes ou des visages. Il privilégie une composition en frise, qui n'est pas sans rapport avec Un enterrement à Ornans de Courbet. Mais si ce dernier a audacieusement traité un sujet contemporain avec les figures grandeur nature de la peinture d'histoire, Breton peint les personnages en petit format et reste donc dans le registre de la scène de genre. C'est à ce côté anecdotique qu'il doit ses innombrables succès en France et aux Etats-Unis. Devenu membre de l'Académie des Beaux-arts en 1886, Breton fait alors figure d'artiste officiel de la vie paysanne. » (Commentaire musée d’Orsay)

Jules Breton. Plantation d’un calvaire (1858). Huile sur toile, 135 × 250 cm, Palais des Beaux-Arts de Lille. « Le peintre retrace ici un événement, auquel il a assisté dans sa jeunesse, avec un grand souci narratif et descriptif. Un groupe de moines portent sur un brancard la statue du Christ qui sera fixée sur la croix sort de l’église. Devant eux, trois jeunes filles portent les instruments de la Passion (la couronne d’épines, les clous, la lance). Derrière eux enfin, le prêtre, les enfants de chœur et les fidèles ferment la marche. Le groupe s’avance en une lente procession vers la grande croix dont on achève l’élévation.
Breton restitue ici toute la ferveur et le recueillement de cette communauté villageoise. La palette, à dominance de gris et de beige, est réchauffée par des tons colorés de jaune, de rouge et de bleu. Le dessin est ferme et précis, les visages sont d’une grande noblesse. Certains sont choisis dans son entourage familial.
Ce tableau nous renvoie inévitablement à l’Enterrement à Ornans peint par Courbet en 1850 (musée d’Orsay, Paris). Comme ce dernier, par la nature du thème et l’importance de sa représentation, Breton élève un simple événement de la vie quotidienne au rang d’un récit historique. » (Commentaire Palais des Beaux-Arts de Lille)

Jules Breton. Le rappel des glaneuses (1859). Huile sur toile, 90 × 176 cm, musée d'Orsay, Paris. « Avec ce Rappel des glaneuses, Jules Breton représente une scène banale de la vie paysanne à Courrières, son village d'origine en Artois. Il choisit de représenter les glaneuses non pas au travail comme l'a fait deux ans auparavant Jean-François Millet, mais à l'heure du départ des champs. Plusieurs éléments du tableau nous indiquent que la scène se tient à la fin de la journée : le mince croissant de lune en haut à gauche, la présence du garde champêtre, adossé à une borne, battant le rappel les mains en porte-voix, mais surtout le coucher du soleil, derrière les arbres qui donne au tableau la lumière chaude et dorée d'une fin d'après-midi. Malgré la présence de certains détails plus réalistes comme les vêtements élimés et déchirés ou les pieds nus des femmes, le peintre a complètement idéalisé la scène. La noblesse des attitudes, le port altier des paysannes, le traitement en frise de la composition donnent à l'ensemble noblesse et poésie.
En abandonnant la représentation de la misère laborieuse de ses débuts au profit d'une vision idyllique et pittoresque du monde du travail, Jules Breton gagne les faveurs de la critique et du public. Présenté au Salon en 1859, l'œuvre connaît un très grand succès et attire même l'attention de l'impératrice Eugénie. Cette dernière la fait acheter sur la liste civile de Napoléon III. Tout d'abord présenté au château de Saint-Cloud, le tableau rejoint, grâce à un don de l'empereur en 1862, les collections du musée du Luxembourg, alors musée des artistes vivants. » (Commentaire musée d’Orsay)

Jules Breton. Les faucheurs (1860). Huile sur toile, 75 × 112 cm, Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow. A l’arrière-plan deux hommes fauchent le blé sous le soleil estival tandis qu’au premier plan un groupe de femmes et une enfant font une pause. Le peintre suggère la dureté physique du travail par la gestuelle des femmes mais aussi par la forte luminosité de la composition indiquant une chaleur accablante.

Jules Breton. Le soir (1860). Huile sur toile, 90× 111 cm, musée d’Orsay, Paris. A la fin de la journée de travail, une paysanne se repose, assise sur un rocher. Pensive et le regard triste, elle reste à l’écart du groupe que l’on aperçoit en arrière-plan. Le début du crépuscule est traité avec brio par la lumière évanescente provenant du ciel, tout en maintenant une sensation de chaleur estivale avec les couleurs chaudes de la terre et des maisons.

Jules Breton. Jeune paysanne tricotant auprès de l’âtre (1860). Huile sur toile, 56 × 46 cm, collection particulière. « L’interprétation chez lui est toujours empreinte d’une certaine grâce idéaliste, qui a poussé certains à dire de lui qu’il était un réaliste tempéré par un poète… » (Commentaire Galerie l'Angélus, Barbizon).

Jules Breton. Jeune fille tricotant (1860). Huile sur toile, 36 × 30 cm, collection particulière. « Avec le présent tableau, Jeune fille tricotant, Breton rappelle ses prédécesseurs français sur le thème, en particulier Chardin et Jean-Baptiste Camille Corot – qu'il admirait beaucoup. C'est peut-être dans l'utilisation du fond monochrome que Breton se rapproche le plus de la tradition historique. En effet, en plaçant la jeune fille sur un fond impersonnel, l'œil du spectateur se concentre plus intensément sur le profil régulier et le travail délicat de la main. Seules la table et la chaise meublent l'espace. Seules les aiguilles à tricoter interrompent le silence du travail. Ainsi, la personne assise – probablement une jeune villageoise de Courrieres (Pas-de-Calais), la ville natale de Breton – est totalement absorbée par son travail. Une puissante source de lumière, provenant de la droite, éclaire la peau, la coiffe et le châle de la jeune fille, permettant à l'artiste de montrer une utilisation habile des gradations de tons : effets de lumière sur les roses, les rouges corail et les bleus-gris. » (Commentaire Bonhams)

Jules Breton. La récolte du colza (1860). Huile sur toile, 94 × 137 cm, National Gallery of Art, Washington. Le colza est cultivé pour extraire une huile alimentaire de ses graines. La récolte a lieu en juillet. Breton avait pu observer ce travail dans les champs de colza car cette plante oléagineuse était à l’époque principalement cultivée dans le nord de la France et en Belgique flamande. Le peintre représente donc quelques phases du travail de récolte consistant à extraire les graines de la plante : battage à l’arrière-plan, tamisage au premier plan. L’idéalisation des figures est ici particulièrement marquée pour la femme portant une gerbe et pour celle tenant un tamis. Leur pose sculpturale et la noblesse du visage ne visent pas à restituer la vérité de leur dur labeur mais à magnifier le monde rural de façon à en faire une représentation pouvant avoir sa place dans les intérieurs de la bourgeoisie acquérant les œuvres du peintre et exigeant le respect des contraintes picturales académiques.

Jules Breton. Paysanne enfilant une aiguille (1861-66). Huile sur toile, 41 × 29 cm, Musée d'art et d'histoire, Genève. Les paysannes de Jules Breton ont toujours un beau visage et des cheveux soignés. Le peintre saisit avec talent la concentration de son personnage cherchant à faire passer un fil dans le chas d’une aiguille.

Jules Breton. La fête du grand-père (1864). Huile sur toile, 69 × 91 cm, collection particulière. Cette scène de genre paysanne est l’héritière de celles de Jean-Baptiste Greuze, par exemple L’accordée de village (1761). Le peintre étudie par la gestuelle et les mimiques les émotions des personnages. Il s’agit toujours, depuis le siècle précédent, du regard compassionnel de la bourgeoisie, à laquelle appartenaient les peintres, sur le peuple, envisagé sous l’angle émotionnel et parfois même un peu larmoyant.

Jules Breton. Les Lavandières de la côte bretonne (1870). Huile sur toile, 135 × 201 cm, Grohmann Museum, Milwaukee. « Ces femmes lavent leurs vêtements dans l'eau douce qui coule du rocher à droite, où deux femmes puisent de l'eau. Une femme, avec son linge lavé, retourne au village par le sentier qui descend vers la plage. C'est l'après-midi, le soleil est caché par les collines environnantes et la marée est basse. Les femmes frottent les vêtements à l'aide de leurs battoirs et de savon, puis les essorent […]
Jules Breton a visité la Bretagne pour la première fois en 1865 ; il a été l'un des nombreux artistes et voyageurs à se rendre dans cette région où les habitants ont conservé la langue, la religion et la culture des premiers habitants celtes. Il a visité les plages et observé le travail quotidien des lavandières et autres paysans, créant de grandes toiles comme celle-ci. Breton ne représente pas les femmes dans des poses classiques mais d'une manière naturaliste, en rapport avec le travail qu'elles effectuent. Cette première forme de naturalisme n'a pas obtenu l'approbation des critiques lors de son exposition au Salon de Paris de 1870. Il s’agit de l'une des premières œuvres majeures de Breton à être acquise par un collectionneur américain, Edwin Denison Morgan, gouverneur de New York et plus tard sénateur des États-Unis. Le tableau a disparu après sa mort et n’est pas réapparu jusqu'à son achat par le musée Grohmann. » (Commentaire Google Art & Culture)

Jules Breton. La fête de la Saint-Jean (v. 1875). Huile sur toile, 34 × 61 cm, Philadelphia Museum of Art. Les feux de la Saint-Jean-Baptiste sont issus d’une tradition remontant à l’Antiquité. Les participants dansent de sautent par-dessus des feux pour célébrer le solstice d’été (21 juin), jour de l’année où la durée du jour est la plus longue et la nuit la plus courte. Les chrétiens ont repris cette tradition ancienne en la rattachant à Jean-Baptiste qui aurait baptisé Jésus de Nazareth. La fête de la Saint-Jean, fixée au 24 juin par le calendrier chrétien, était une occasion festive importante dans la paysannerie jusqu’au 19^e siècle. Cette très belle composition de petit format permet à Breton d’utiliser une touche impressionniste convenant tout particulièrement pour le crépuscule indistinct, avec lumière du jour évanescente et flammes éclairant la campagne.

Jules Breton. La mouette blessée (1878). Huile sur toile, 93 × 77 cm, Saint Louis Art Museum. « Jules Breton se rendait régulièrement dans la région côtière de Bretagne, dans l'ouest de la France, et a représenté ici une paysanne bretonne idéalisée, de profil, face au vent. L'artiste était fasciné par la “sauvagerie mystique” des femmes bretonnes et s'est concentré sur la compassion de cette paysanne pour un oiseau blessé tandis que d'autres oiseaux en bonne santé planent au loin. Cette œuvre a été présentée en 1881 lors de la première exposition spéciale de l'école et du musée des Beaux-Arts de Saint-Louis, prédécesseur du musée d'art de Saint-Louis, qui venait d'être créé. » (Commentaire Saint Louis Art Museum)

Jules Breton. Le chant de l’alouette (1884). Huile sur toile, 111 × 86 cm, Art Institute Chicago. « Une paysanne solitaire interrompt son travail pour écouter une alouette chanter au loin. Sa réaction émotionnelle à ce moment de beauté naturelle est accentuée par l’éclat du soleil qui se lève derrière elle, baignant le paysage d’une lumière dorée.
Jules Breton s’est spécialisé dans les scènes de la vie rustique à la campagne. Ayant grandi dans le village rural de Courrières dans le nord de la France, il admirait les habitants pour leur ingéniosité et leur attachement à la nature et a acquis une immense popularité en les peignant dans son style idéalisé. » (Commentaire Art Institute Chicago)
Ce tableau a remporté en 1934 le prix du concours du Chicago Daily News. L’épouse du président des États-Unis, Eleanor Roosevelt (1884-1962), a déclaré à cette occasion qu’il s’agissait de “l’œuvre d’art la plus appréciée d’Amérique”. Le succès de Jules Breton aux États-Unis a persisté longtemps après son décès.

Jules Breton. Le matin (1888). Huile sur toile, 102 × 76 cm, collection particulière. L’influence impressionniste apparaît dans le traitement de la végétation, constitué de taches de couleurs entremêlées. Il s’agit de suggérer une ambiance matinale légèrement brumeuse avec un ciel émergeant de l’ombre et restant encore indistinct.

Jules Breton. Jeunes filles se rendant à la procession (1888). Huile sur toile, 126 × 175 cm, Munson, Utica, États-Unis. Une procession est un défilé de fidèles (ici des catholiques) associé à la commémoration d’une fête religieuse ou d’un personnage (par exemple un saint). Les jeunes filles de Jules Breton, toutes vêtues d’une tenue blanche identique, traversent la campagne pour se rendre sur les lieux de la procession. Le tableau conjugue ainsi le paysage montagneux et la religiosité, à l’image des premiers paysages de la peinture occidentale qui, au 16^e siècle, faisaient apparaître une scène biblique au milieu d’une nature idéalisée. Le style impressionniste modéré fait baigner la composition dans un flou qui estompe les détails du paysage et communique aux figures une dimension spirituelle.

Jules Breton. Le Pardon de Kergoat (1891). Huile sur toile, 123 × 234 cm, musée des Beaux-Arts de Quimper. « Jules Breton est issu d’une famille bourgeoise d’origine paysanne du Pas-de-Calais. Élève de Drölling à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris, peintre officiel, il est renommé de son vivant pour ses scènes de genre rurales, pleines de compassion, et pour ses paysages, lui valant le surnom de « peintre de la vie des champs ». Il découvre en 1865 par son ami Emmanuel Lansyer une ville de Bretagne encore peu connue, Douarnenez. Il y séjournera dix-huit fois. Il est fasciné par le folklore des foules colorées des pardons et le profond sentiment religieux des Bretons.
Le Pardon de Kergoat dépeint la piété collective des Bretons. Le dimanche qui suit l’Assomption, le pardon de Kergoat à Quéménéven réunit des milliers de fidèles venus des paroisses avoisinantes.
Jules Breton qui y assista lors de son passage à Douarnenez lui consacra un texte qui traduit, comme la peinture elle-même, la fascination du peintre pour la beauté des costumes régionaux et le recueillement de la procession. L’artiste représente une scène, “la procession des miracles”, qui se passe après les vêpres. Ensemble, au son des tambours, les pèlerins, un cierge à la main, font le tour de la chapelle avant d’y entrer. Derrière les porteurs de bannières (la première bannière est celle de la confrérie du Christ agonisant) et les pénitents, qui marchent pieds nus, un groupe de jeunes femmes porte les statues de sainte Anne et de sainte Marguerite. Puis, la foule s’avance. Près des tombes ou adossés aux murs de la chapelle, des mendiants implorent l’aumône. A droite, un jeune couple se prosterne devant le passage des statues. La composition, fermée à droite par les arbres, sans ciel visible, et à gauche par le calvaire et la chapelle en granite gris, brosse le décor d’un sanctuaire en plein air.
Jules Breton a assisté au pardon de Kergoat en 1890. Il dessine sur place de nombreuses études de têtes et peint des esquisses de la procession. Puis, dans son atelier parisien, il réalise cette grande composition. Exposée à Paris au Salon de 1891, puis aux Expositions universelles de Chicago et de Paris en 1893 et 1900, cette toile a été retrouvée dans une collection américaine puis acquise en 1994 notamment grâce à l'aide de 1177 souscripteurs locaux, symbole de l’attachement d’une région à son patrimoine. » (Commentaire musée des Beaux-Arts de Quimper)

Jules Breton. Amour (1902). Huile sur bois, 32 × 44 cm, 49 × 62 avec cadre, collection particulière. « Nous tenons à remercier Annette Bourrut Lacouture, Marie-Isabelle Pinet et Agnès Penot, pour avoir aimablement confirmé l’authenticité de ce tableau. Ce tableau sera inclus dans le catalogue raisonné de l’œuvre du peintre actuellement en préparation. Cette œuvre est une étude pour le dernier tableau de Jules Breton intitulé « Amour » et présenté au Salon de 1905. Le modèle du personnage féminin était Adélaïde Ledet qui vivait à Wissant. » (Commentaire Leighton Fine Art)