Pieter de Hooch

Le verre vide (1650-54). Huile sur toile, 44 × 35 cm, Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam. « Les premières peintures connues de De Hooch datent d'environ 1653-1654, alors qu'il vivait à Rotterdam. Des scènes d'auberge comme Le Verre vide ont été comparées à de nombreux intérieurs de tavernes, notamment à des œuvres contemporaines de Terborch et Van den Eeckhout. La palette tonale de bruns et de jaunes de De Hooch, ainsi que ses effets de clair-obscur, rappellent Pieter Codde, Jan Miense Molenaer et d'autres artistes actifs à Haarlem ou Amsterdam. Cependant, ses sujets et ses figures expressives sont davantage associés aux peintres de Rotterdam. » (Commentaire Web Gallery of Art)

La visite (1657). La visite (1657). Huile sur toile, 68 × 58 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. « De Hooch situe cette scène dans un voorhuis, la pièce donnant sur la rue, la plus lumineuse d'une étroite maison de ville hollandaise. L'emplacement de la fenêtre et l'aménagement de l'espace témoignent du dialogue qu'il entretenait alors avec Johannes Vermeer. Cependant, des éléments comme l'assiette d'huîtres aphrodisiaques et le lit à baldaquin laissent penser que de Hooch souhaitait probablement représenter une maison close plutôt qu'un foyer respectable. » (Commentaire MET)

Dame et servante (1657). Huile sur toile, 53 × 42 cm, musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg. Nous quittons les sombres scènes de taverne pour découvrir une terrasse où se trouvent une servante et sa maîtresse. La lumière atténuée, à la Vinci, induit une impression de calme vespéral. Le modèle de la servante pourrait être l'épouse du peintre.

Femme buvant avec deux hommes (1658). Huile sur toile, 73,3 × 64,6 cm, National Gallery, Londres. « Il règne un mystère dans cette pièce. L'une des silhouettes nous tourne le dos, nous empêchant de distinguer son expression. Mais comme l'homme derrière la table semble utiliser deux pipes en terre cuite comme un violon et un archet, et que son compagnon gesticule comme s'il dirigeait un duo, elle est peut-être en train de chanter.
Les scènes ouvertes à diverses interprétations sont caractéristiques de la peinture hollandaise du XVIIe siècle, et les représentations de réunions musicales étaient particulièrement ambiguës : elles peuvent symboliser des divertissements innocents ou quelque chose de plus licencieux. Impossible, cependant, d'affirmer avec certitude qu'il s'agit d'une réunion musicale, et encore moins d'une réunion innocente.
Pourtant, nous avons l'impression d'être dans un espace réel. De Hooch a utilisé les carreaux de sol noirs et blancs pour contribuer à cette illusion : leurs lignes et leurs dimensions guident notre regard et nous permettent de situer les personnages, les meubles, les murs et les fenêtres les uns par rapport aux autres et par rapport à nous. » (Commentaire National Gallery)

La cour d'une maison de Delft (1658). Huile sur toile, 73 × 60 cm, National Gallery, Londres. « Sous la lumière d'un après-midi paisible, cette cour semble irradier de sérénité. Tout est immobile, jusqu'aux silhouettes : une jeune servante, propre et sereine, qui tient la main d'une petite fille, et la silhouette indistincte d'une femme dans le passage à gauche, sans doute la mère de l'enfant, qui se tourne vers les maisons d'en face. De Hooch a placé la mère dans une partie plus élégante de la maison, peinte avec une grande précision architecturale, tandis que la servante et l'enfant se tiennent dans un espace plus proche de la nature.
Ce tableau témoigne du talent de de Hooch pour la représentation de l'architecture, mais il offre également une vision du rôle des femmes dans la stabilité du foyer. À l'époque où il fut peint, des traités sur la gestion du foyer et de la famille étaient rédigés ; le Houwelyck de Jacob Cats s'adressait directement aux femmes, avec des chapitres consacrés à la Jeune Fille, la Fiancée, l'Épouse, la Ménagère, la Mère et la Veuve. Certains artistes, dont de Hooch, ont réalisé des œuvres qui confirmaient et encourageaient les idéaux énoncés dans ces ouvrages. » (Commentaire National Gallery)

Une famille dans une cour de Delft (1658-60). Huile sur toile, 113 × 97 cm, Akademie der bildenden Künste, Vienne.

Une famille dans une cour de Delft, détail (1658-60)

« Ce portrait d'une famille aisée dans un jardin privé est l'une des œuvres les plus caractéristiques de l'école de Delft. Tant par les personnages que par le décor, le tableau se distingue par sa remarquable synthèse de naturalisme et de formalisme.
Dans cette œuvre, De Hooch a représenté trois générations de cette famille non identifiée, posant avec simplicité, avec leurs plus beaux habits, comme si elles s'étaient retrouvées spontanément pour une visite dominicale. Le patriarche est assis au premier plan, les pieds bien ancrés sur l'allée de briques menant à la porte ouverte dans le mur de bois séparant leur cour de celle du voisin. Son épouse se tourne vers lui, tenant à la main une grappe de raisin cueillie dans la corbeille de fruits, un geste que les spectateurs contemporains, familiers avec l'iconographie de l'époque, auraient interprété comme un symbole de fertilité et de fécondité. Leur fille est assise à leurs côtés, tandis que derrière elle se tiennent son mari sur les marches, et leur fils. Le couple à gauche, probablement le fils du patriarche et son épouse, se tient devant un mur couvert de roses, symbole d'amour, tandis que la femme tient une pêche, emblème d'amour et de sincérité. Renforçant le message pictural de cette famille pieuse et reconnaissante des bienfaits qu'elle reçoit, la présence lointaine de la Nieuwe Kerk (Nouvelle Église), dont le clocher caractéristique se dresse au-dessus des toits de tuiles orangées, souligne l'image d'une famille respectueuse de Dieu et des lois. » (Commentaire Web Gallery of Art)

La chambre (1658-60). Huile sur toile, 51 × 61 cm, National Gallery of Art, Washington. « Par l'agencement soigné de l'espace intérieur de La Chambre et son traitement de la lumière, De Hooch confère à cette scène du quotidien une extraordinaire intimité et une grande chaleur. Deux sources de lumière – les fenêtres doubles à gauche, la porte hollandaise ouverte et son imposte à l'avant de la maison – illuminent l'enfant qui ouvre la porte de la pièce intérieure. L'encadrement de la porte est orné de rangées de carreaux de faïence hollandais représentant des jeux d'enfants. À en juger par sa tenue, l'enfant pourrait être une fille ou un garçon. Tous les jeunes enfants portaient des jupes, quel que soit leur sexe, et l'âge auquel un garçon passait à la culotte était assez variable. Il est possible que De Hooch ait représenté sa propre famille : son épouse, Jannetje, et soit son fils, Peter, né en 1655, soit sa fille, Anna, née en 1656. » (Commentaire NGA)

Les soins maternels (1658-60). Huile sur toile, 53 × 61 cm, Rijksmuseum, Amsterdam. Cette composition constitue peut-être l'œuvre la plus accomplie du peintre. Il parvient, en nous montrant une mère avec sa fille (peut-être la mère cherche-t-elle des poux), à suggérer le temps suspendu, un instant d'éternité. Le subtil clair-obscur de la pièce et le chat qui regarde vers l'extérieur illuminé contribuent à créer une paisible harmonie entre les êtres et le lieu.

Femme et servante dans la cour (1660). Huile sur toile, 73,5 × 62,6 cm, National Gallery, Londres. « Il semble que nous assistions à une scène se déroulant juste devant une cuisine. Une servante a sorti un chaudron fumant du fourneau et l'a déposé près de la bonde ouverte dans la cour. Apparemment obéissant à sa maîtresse, qui se tient devant elle, elle semble avoir retiré le poisson du chaudron ; peut-être le fait-elle à l'extérieur pour faciliter l'égouttage.
L'un des aspects les plus fascinants de la peinture hollandaise du XVIIe siècle réside dans l'aperçu qu'elle nous offre de la vie quotidienne, et plus particulièrement de celle des femmes. Les scènes de mères et d'enfants ordinaires, ou de servantes et de leurs maîtresses, paisibles dans leurs foyers, étaient rarement représentées auparavant. Mais en Hollande, à partir des années 1640 environ, ce thème fut apprécié et les tableaux de Pieter de Hooch comptent parmi les exemples les plus évocateurs du genre. » (Commentaire National Gallery)

L'armoire à linge (1663). Huile sur toile, 70 × 75,5 cm, Rijksmuseum, Amsterdam. Nouvel exemple d'intérieur de la riche bourgeoisie ou de l'aristocratie néerlandaise. L'ordre fait partie des vertus domestiques.
« Le soleil illumine les maisons du canal à l'extérieur, tandis qu'à l'intérieur, dans la pénombre, une jeune fille joue au kolf, une sorte de hockey. Deux femmes empilent du linge fraîchement repassé dans une armoire. L'armoire à linge occupait une place importante dans la maison. La maîtresse de maison en portait la clé et distribuait les draps : elle était aux commandes et gérait le foyer. » (Commentaire Rijksmuseum)

Femme épluchant des pommes (1663). Huile sur toile, 71 × 54 cm, Wallace Collection, Londres. L'éclairage latéral rappelle certaines compositions de Vermeer. La palette s'élargit et l'on voit apparaître du rouge et du jaune, déjà présents d'ailleurs dans L'armoire à linge.
« Femme épluchant des pommes représente une femme responsable d'une grande maisonnée et s'inscrit pleinement dans la lignée des représentations antérieures de femmes vaquant à leurs occupations domestiques par Maes (voir La Femme vertueuse, P239). Le thème complémentaire de l'amour conjugal est représenté par Cupidon sur le pilier de la cheminée. Ce tableau fut probablement peint peu après l'installation de de Hooch à Amsterdam au début des années 1660. Il fut attribué à tort à Vermeer dans l'étude pionnière de Thoré-Bürger sur l'artiste (1866). » (Commentaire Wallace Collection)

Loisirs dans un cadre élégant (1663-65). Huile sur toile, 58 × 69 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. Cet intérieur somptueux témoigne sans doute d'une évolution de la clientèle du peintre, qui, à Amsterdam, côtoie la classe dirigeante néerlandaise.
« À l'instar de son contemporain Johannes Vermeer, Pieter de Hooch a joué un rôle de pionnier dans le développement de la peinture de genre aux Pays-Bas au XVIIe siècle. Il excellait particulièrement dans la représentation d'intérieurs, où les agencements spatiaux complexes sont d'une beauté saisissante grâce à un jeu de lumière remarquable. Le tableau de la collection Lehman est richement décoré : sol en marbre et tentures murales en cuir doré, mis en valeur par la lumière diffuse provenant de la fenêtre de gauche. Le dialogue joyeux au premier plan est contrebalancé par la rencontre mystérieuse d'un jeune homme et d'un vieillard barbu dans l'antichambre et le vestibule. De Hooch atteint une clarté et une géométrie extraordinaires dans cette pièce somptueusement meublée, qualités qui rappellent les tableaux qu'il a réalisés à Amsterdam dans les années 1660. » (Commentaire MET)

Femme lisant une lettre (1664). Huile sur toile, 55 ×55 cm. Szépmûvészeti Múzeum, Budapest. Ce thème a également été utilisé par Vermeer. De Hooch place la scène en début d'après-midi avec une lumière qui irradie magnifiquement sur la liseuse.
« De Hooch, qui a travaillé à Delft puis à Amsterdam, s'intéressait à la vie quotidienne paisible et laborieuse des Néerlandais. Ses scènes de genre et ses portraits de famille saisissent la poésie du quotidien et sont empreints d'harmonie et d'une douce quiétude. Ses personnages évoluent souvent dans des espaces ouverts sur plusieurs directions, au sein de compositions d'un naturel et d'un réalisme saisissants. Sa maîtrise de la lumière et de l'ombre est essentielle à son œuvre : ici encore, la lumière qui baigne la jeune femme absorbée par sa lecture évoque la fugacité de l'instant. La fenêtre ouverte, un motif cher au peintre, guide notre regard vers l'horizon, créant un contraste entre l'intérieur tamisé et la ville inondée de soleil. La tour qui se détache sur le ciel est celle de l'église de l'Ouest d'Amsterdam. » (Commentaire Szépmûvészeti Múzeum, Budapest)

Maison de village (1665). Huile sur toile, 61 × 47 cm, Rijksmuseum, Amsterdam.

Maison de village, détail (1665)

Les tableaux d'extérieur de De Hooch accordent une place prééminente au traitement de l'espace. Ici : personnages attablés au premier plan, maison au second plan et arbres et ciel à l'arrière-plan. La femme presse le citron entre ses doigts au-dessus du verre, sous le regard attentif du personnage masculin. Le citron n'était pas un fruit commun aux Pays-Bas au 17^e siècle.

Couple jouant aux cartes avec servante (1670). Huile sur toile, 69 × 58 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. La lumière est le sujet principal du tableau. Le peintre a organisé sa composition de façon à créer un effet de clair-obscur. La pièce, dans la pénombre, reçoit la lumière d'une fenêtre non visible placée à gauche. Seules les deux figures féminines sont éclairées et l'ombre de la fenêtre se dessine sur le mur. 

Fête musicale dans une cour (1677). Huile sur toile, 83,5 × 68,5 cm, National Gallery, Londres. La scène évoque la haute société d'Amsterdam. Par sa légèreté aristocratique, qui tranche avec le sérieux des intérieurs bourgeois, la composition a quelque chose d'italianisant, bien que l'architecture soit typiquement hollandaise.
« Un petit groupe de personnes se réunit pour jouer de la musique et profiter d'un échange amical. Au-dessus du dossier d'une chaise, nous apercevons une jeune femme jouant du violon. Un homme lui sourit, confortablement assis à droite. Pieter de Hooch a choisi les bijoux avec discrétion : un collier de perles, de longues boucles d'oreilles et un ornement dans ses cheveux.
De Hooch n'a quasiment pas détaillé l'architecture de la cour où ils se trouvent. La tenue des occupants et le précieux tapis turc posé sur la table nous indiquent qu'il s'agit d'un endroit raffiné, mais nous ignorons presque tout de l'environnement. Les maisons visibles de l'autre côté du canal et la silhouette énigmatique qui les observe sous l'arche ont en revanche été mises en valeur. » (Commentaire National Gallery)

Analyse détaillée