Henri Rousseau

Henri Rousseau. Moi-même (1890)
Huile sur toile, 146 × 113 cm, Galerie nationale, Prague.

Henri Rousseau. Autoportrait de l'artiste à la lampe (1902-03)
Huile sur toile, 23 × 19 cm, musée Picasso, Paris.

Henri Rousseau. Moi-même (1890). Huile sur toile, 146 × 113 cm, Galerie nationale, Prague. Rousseau apparaît avec palette et pinceau devant un paysage urbain. Sur la palette figurent les noms de ses deux épouses successives : Clémence et Joséphine. Le paysage est une évocation du Paris de l'époque avec l'architecture métallique du pont et la montgolfière. La perspective signifiante du Moyen Âge conduit à grandir le personnage principal. Rousseau qualifiait ce type de composition de « portrait-paysage ».

Henri Rousseau. Portrait de Madame M. (1895-97). Huile sur toile, 198 × 115 cm, musée d'Orsay, Paris. L'identité du modèle n'est pas connue. « Parmi le grand nombre de portraits peints par Rousseau, il est rare d'en trouver en pied et d'un tel format. Il en existe cependant un autre qui a appartenu à Pablo Picasso (Paris, musée Picasso). Celui du musée d'Orsay témoigne de beaucoup plus d'aisance dans la conception et la mise en page, et de plus de soin dans l'exécution. [...] Avec cette œuvre, Rousseau semble vouloir rivaliser, au moins inconsciemment, avec les effigies mondaines du Salon ou avec les grands portraits flamands du XVII^e siècle. Mais il demeure avant tout fidèle à un style et un univers qui lui sont propres. » (Commentaire musée d'Orsay)

Henri Rousseau. Autoportrait de l'artiste à la lampe (1902-03). Huile sur toile, 23 × 19 cm, musée Picasso, Paris. L'artiste se concentre sur le visage, d'une grande netteté de trait, et laisse le reste à l'état d'ébauche. La lampe constitue un contrepoint mettant en évidence le visage.

Henri Rousseau. Portrait de la seconde femme de l'artiste (1903). Huile sur toile, 23 × 19 cm, musée Picasso, Paris. Rousseau épouse en 1899 Joséphine-Rosalie Nourry qui mourra en 1903.

Henri Rousseau. La noce (v. 1905). Huile sur toile, 163 × 114 cm, musée de l'Orangerie, Paris. Ce portrait de groupe de grande taille est une des compostions les plus ambitieuses de Rousseau. L'art naïf apparaît dans les proportions. Les arbres de l'arrière-plan ont été réduits par rapport aux personnages. Ces derniers, limités à des silhouettes, comportent cependant des visages nettement individualisés. L'ensemble, très déroutant, emprunte aux primitifs italiens sur le plan technique, tout en utilisant un chromatisme très contemporain.
« A première vue, nous sommes face au portrait photographique d'une noce. Les protagonistes en costume de ville posent pour le photographe. Pourtant, curieusement la mariée semble flotter dans les airs. Le voile de la mariée se superpose à la robe de la grand-mère et vient contredire la perspective suggérée par l'étagement des personnages dans la composition. Maladresse ? En fait c'est une maladresse cultivée, c'est un repentir, donc un choix délibéré du peintre. La mariée tout en blanc fait figure d'apparition comme suspendue dans l'espace.
Là encore, Rousseau joue sur l'introduction de l'étrange dans le réel. Le chien surdimensionné et d'une "gaucherie bouffonne" au premier plan joue un rôle de repoussoir. Le douanier s’affirme comme le maître des paradoxes spaciaux.
Le groupe s'insère dans un encadrement d'arbres trop petits et stylisés au feuillage improbable.
Le ciel est d'un bleu intense, immatériel. Les arbres et l'arrière plan ocre forment comme une mandorle autour du groupe. Basler évoque les figures idéalisées des fresques médiévales et les ex-voto des maîtres primitifs. » (Commentaire musée de l'Orangerie)

Henri Rousseau. La Carriole du père Junier (1908). Huile sur toile, 97 × 129 cm, musée de l'Orangerie, Paris. Claude Junier et sa femme tenaient un magasin d'épicerie situé à proximité du domicile de Rousseau. Les voisins se lient d'amitié, et, en 1908, Rousseau réalise ce tableau, probablement sur commande des Junier. Rousseau apparaît sur le siège avant avec le chapeau. Claude Junier était particulièrement fier de son attelage et de sa jument blanche, Rosa. Les personnages font face à l'observateur, comme dans tous les portraits de Rousseau. Des sources photographiques sont disponibles pour ce portrait de groupe. Le peintre a utilisé plusieurs photos prises selon des angles différents mais a agencé la composition selon sa fantaisie.
« "Le père Junier" vendait des légumes qu'il allait tous les matins acheter chez les maraîchers de Bagneux ou de Verrière-le-Buisson. Il était depuis longtemps un ami du peintre ; sa femme lui faisait la cuisine. Rousseau lui devant quelque argent et monsieur Junier venant d'acheter un cheval dont il était très fier, il fut convenu que Rousseau lui ferait un tableau.
Rousseau a travaillé d'après une photographie. Cependant Rousseau y apporte des modifications importantes, révélatrices de la nature de son travail. Il supprime un arbre du boulevard et surtout il joue sur la taille et la position des trois chiens. Ils prennent une fonction plastique. Le gros chien noir donne de la profondeur à la carriole. On sait que lorsque Max Weber fit remarquer à Rousseau que le chien noir était trop grand par rapport à l'échelle de l'ensemble, l'artiste lui a rétorqué que sa toile exigeait qu'il en soit ainsi. Par contre le chien miniature qui trottine devant la carriole ajoute à la monumentalité de la jument. Cette dernière se tient curieusement sur la pointe des sabots, effet que viennent accentuer les ombres portées sur le sol. Cette jument danseuse semble presque suspendue dans l'espace. Rousseau affectionne ce genre de paradoxe qui fait flotter certains personnages dans un espace purement pictural.
Les passagers de la carriole à l'exception de monsieur Junier sont présentés dans une stricte frontalité comme des icônes byzantines. » (Commentaire musée de l'Orangerie)

Henri Rousseau. Soir de carnaval (1886). Huile sur toile, 89,5 × 117 cm, Philadelphia Museum of Art. Ce tableau fut présenté par Rousseau au salon des indépendants en 1886. Le paysage nocturne semble hivernal et seulement éclairé par la pleine lune, ce qui est fréquent chez Rousseau. Des personnages déguisés émane également un effet lumineux qui contraste avec l'ombre qui les entoure. Chromatisme magistralement maîtrisé, perception singulière et poétique du monde font apparaître déjà le grand artiste.
« Une atmosphère de mystère plane sur ce paysage forestier hivernal. Vêtus de costumes de carnaval festifs, un couple solitaire se tient devant des arbres dénudés. Leurs silhouettes semblent irradier de l'intérieur plutôt que de la lumière de la lune, qui a étrangement plongé la forêt dans l'obscurité. Un visage inexplicable se dessine du haut de la cabane vide voisine, et un lampadaire, à l'allure incongrue, brille non loin de là. Célèbre pour ses scènes fantastiques, Rousseau était un artiste autodidacte dont les œuvres ont séduit les collectionneurs et les artistes d'avant-garde du début du XXe siècle, parmi lesquels Pablo Picasso. » (Commentaire Philadelphia Museum of Art)

Henri Rousseau. Le moulin d'Alfort (1895). Huile sur toile, 37,8 × 45,5 cm, Pola Museum of Art, Hakone, Japon. Ce moulin est situé sur la Marne, à Maisons-Alfort, localité proche de Paris. Cette composition classique, non dépourvue de maladresses, a tout le charme de l'art naïf, mais révèle aussi un grand coloriste.

Henri Rousseau. La Tour Eiffel (v. 1898). Huile sur toile, 77,2 × 52,4 cm, Museum of Fine Arts, Houston. Surprenante Tour Eiffel et improbable Seine. On pense aujourd'hui à certaines compositions de Giorgio de Chirico (1888-1978), car loin de chercher le réalisme Rousseau nous propose sa vision intérieure du monde.

Henri Rousseau. Notre-Dame (1909). Huile sur toile, 41 × 33 cm, Phillips Collection, Washington. L'artiste solitaire sur les quais de la Seine contemple la cathédrale Notre-Dame. Cette image pure, intemporelle et nostalgique se rattache à la dernière manière du peintre : couleurs claires, presque transparentes, grande sobriété des formes. La composition ne restitue pas la réalité de la ville mais l'imaginaire du peintre.
« Avec Notre-Dame, Henri Rousseau semble avoir voulu immortaliser sa vision de lui-même en tant qu'artiste, ainsi que sa nationalité et son amour pour Paris. En incluant une figure solitaire vêtue de noir, appuyée sur une canne, il a peut-être créé une image miniature de lui-même : "Il habite ses tableaux comme nous habitons nos rêves." Le tableau dégage une atmosphère de douce nostalgie : la flèche de la Sainte-Chapelle et les tours de Notre-Dame, baignées d'une lumière tamisée et mystérieuse, semblent captiver l'attention de la figure solitaire. La simplicité de la composition et la clarté des couleurs sont caractéristiques des dernières œuvres de Rousseau et rappellent le travail de Corot, qu'il admirait.
Notre-Dame s'inspire peut-être de photographies et d'une esquisse préparatoire réalisée par Rousseau, mais il a probablement aussi puisé dans ses souvenirs des années passées à flâner et à travailler sur les quais de Paris, filtrant la scène à travers sa propre vision poétique et insufflant ainsi au tableau une atmosphère onirique et intemporelle qui lui est propre. Un des premiers défenseurs de Rousseau a décrit cette ambiance comme celle d'une "mélancolie vespérale où le mât de la barge et le clocher de Notre-Dame se répondent de part et d'autre du fleuve". » (Commentaire Phillips Collection)

Henri Rousseau. Le jardin du Luxembourg (1909). Huile sur toile, 38 × 47 cm, musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg. L'artiste, désormais reconnu, concilie ici l'exotisme qui lui est cher avec les feuillages très librement composés et un chromatisme qu'il maîtrise désormais à la perfection.

Henri Rousseau. La bohémienne endormie (1897). Huile sur toile, 129,5 × 200,7 cm, The Museum of Modern Art, New York. Le sujet du tableau semble une projection de l'inconscient du peintre dont chacun décryptera librement le sens. Une bohémienne, joueuse de mandoline, est endormie dans un paysage désertique avec à ses côtés une cruche d'eau. Un lion vient renifler la dormeuse mais ne l'agresse pas. La nuit de pleine lune permet au peintre d'utiliser une lumière tamisée qui constitue un élément essentiel de la composition. Le maire de Laval refusa d'acheter ce chef-d'œuvre qui lui était proposé par Rousseau. Il ne pouvait évidemment pas y percevoir un tableau surréaliste avant l'heure.

Henri Rousseau. Surpris ! (1891). Huile sur toile, 130 × 162 cm, National Gallery, Londres. Première jungle de Rousseau, exposée au salon des indépendants de 1891. Les gigantesques feuilles de formes diverses, les animaux sauvages aux yeux brillants, l'harmonie chromatique de l'ensemble se retrouveront fréquemment ensuite. Le peintre a trouvé son sujet de prédilection et celui qui fera sa célébrité.
«     Un tigre, tapi dans l'épaisse végétation de la jungle, le dos arqué et les crocs apparents, se tient à découvert. On ne distingue pas clairement ce qui se passe : le tigre se terre-t-il devant l'éclair ou traque-t-il une proie ?
Surpris ! est la première d'une vingtaine de toiles représentant la jungle, réalisées par Rousseau et qui comptent parmi ses œuvres les plus célèbres. Ces jungles sont entièrement imaginaires : Rousseau n'a jamais quitté la France, malgré son affirmation d'avoir servi dans l'armée française au Mexique. La végétation est un mélange de plantes d'intérieur et de variétés tropicales, qu'il avait observées au Jardin botanique de Paris.
Artiste amateur autodidacte, Rousseau s'adonnait à la peinture comme passe-temps. Il prenait son art très au sérieux, malgré les railleries de certains. Mais nombre d'artistes et d'écrivains, notamment de l'avant-garde, le saluèrent comme une figure importante. Il est aujourd'hui considéré comme un pionnier de l'art naïf. » (Commentaire National Gallery)      

Henri Rousseau. Le lion, ayant faim, se jette sur l'antilope (1898-1905). Huile sur toile, 301 × 200 cm, Fondation Beyeler, Bâle. « Avec ce célèbre tableau de jungle, Rousseau s'impose en 1905 au Salon d'Automne de Paris. Raillé et ridiculisé au XIX^e siècle, il est admiré au début du XX^e par l'avant-garde artistique. Apollinaire, Delaunay, Léger, Braque et Picasso lui rendent visite dans son atelier, tandis que Wassily Kandinsky le présente comme « le père » du « grand réalisme » dans l'almanach Der Blaue Reiter. Les toiles de Rousseau se caractérisent par la tension entre objectivité botanique et fantastique rempli de mystère. [...] La jungle de Rousseau est une harmonieuse symphonie en vert parfaitement composée, un collage d'animaux et de végétaux minutieusement peints. Juste au centre de l'image, sous le regard d'autres animaux, se déroule un combat mortel. » (Commentaire Fondation Beyeler)

Henri Rousseau. Le repas du lion (v. 1907). Huile sur toile, 114 × 160 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. « Cette œuvre fut probablement exposée au Salon d'Automne de 1907, mais elle aborde un thème que Rousseau avait déjà exploré dans Surpris ! (1891, National Gallery, Londres). Il s'inspira d'études réalisées au jardin botanique de Paris pour la végétation exotique de ses nombreux tableaux de jungle, et puisa dans des revues ethnographiques connues et de livres illustrés pour enfants pour représenter les animaux sauvages. Le surnom de Rousseau, le Douanier, provient de sa fonction de douanier. » (Commentaire MET)
 

Henri Rousseau. La charmeuse de serpents (1907). Huile sur toile, 167 × 189,5 cm, musée d'Orsay, Paris. Le sujet aurait été inspiré à Rousseau par la mère du peintre Robert Delaunay (1885-1941) qui aimait raconter ses souvenirs de voyage. Le peintre transpose très librement le thème du charmeur de serpents en utilisant les mythes occidentaux : le paradis terrestre, le bon sauvage. Mais si l'harmonie du personnage de la charmeuse avec la nature semble parfaite, le paradis n'a rien d'idyllique. Il ne s'agit nullement du locus amoenus que de nombreux paysagistes ont cherché à peindre. Le peintre a choisi « une Eve noire, dans un Eden inquiétant, charmeuse d'un serpent aussi effrayant que celui de la Genèse était séducteur. » (Commentaire musée d'Orsay)
Analyse détaillée

Henri Rousseau. Combat de tigre et de buffle (1908-09). Huile sur toile, 46 × 55 cm, musée de L'Ermitage, Saint-Pétersbourg. Rousseau libère les couleurs vives qui se détachent sur les nuances de vert du feuillage et sur le bleu-vert du ciel. Une exceptionnelle réussite chromatique.

Henri Rousseau. La jungle équatoriale (1909). Huile sur toile, 140,6 × 129,5 cm, National Gallery of Art, Washington. « Dans cette peinture verticale stylisée, deux animaux au pelage jaune doré, brun et noir se cachent derrière l'épaisse végétation de la jungle. La composition est principalement composée de larges aplats de couleurs sauge, olive, mousse et vert citron, formant un mur impénétrable de plantes. Un ovale de ciel bleu ardoise, à gauche du centre supérieur, est encadré par des plantes qui s'élèvent des angles supérieurs du tableau [...] Trois grandes fleurs stylisées, au cœur rose fuchsia et aux pétales pâles, poussent au-dessus des animaux, à notre gauche. Une jacinthe blanche démesurée pousse à notre droite. Un oiseau étroit, rouge brique, est perché sur une branche au-dessus des fleurs roses, presque invisible parmi les plantes. L’artiste a signé et daté en bas à droite : "Henri Julien Rousseau 1909". » (NGA, Visual Description)

Henri Rousseau. Le rêve (1910). Huile sur toile, 298,5 × 204,5 cm, Museum of Modern Art (MoMA), New York. L'une des dernières toiles et un grand chef-d'œuvre du peintre où il laisse vagabonder la création entre exotisme onirique et scène d'intérieur. Le nu sur un canapé au milieu d'une jungle totalement mythique est indubitablement une projection de l'inconscient. Chromatisme absolument unique.
« Bien que Rousseau ait visité des musées d'histoire naturelle et des jardins botaniques pour étudier les plantes tropicales, une grande partie de cette composition est de son invention, comme la femme nue allongée et la silhouette à peine perceptible jouant du cor derrière elle. L'environnement de jungle représenté dans ce tableau a inspiré de nombreux artistes, dont Mark Bradford. Évoquant le style onirique de Rousseau, Bradford a établi un parallèle entre les techniques de ses propres compositions et "la manière dont [Rousseau] peignait ses jungles et forêts imaginaires, avec cette incroyable planéité, cette absence de perspective qui jouait avec"… » (Commentaire MoMA)