Domenico Veneziano

Vierge à l'enfant ou Tabernacle Carnesecchi (1435). Fresque transférée sur toile, 241 × 120 cm,  National Gallery, Londres. Cette fresque, qui a été endommagée, reste proche de Masaccio par son effet de perspective appuyé et la monumentalité du trône de la Vierge. Le tabernacle sur lequel était peinte la fresque appartenait à la famille Carnesecchi.
« Il s'agit de la partie centrale d'une fresque (peinture directement sur enduit frais) ornant le mur extérieur d'une maison florentine. Elle était flanquée de deux saints, dont les têtes – seules parties conservées – font également partie de la collection de la National Gallery.
La composition grandiose et sobre, ainsi que les couleurs, était idéale pour une image vue d'en bas. Les hauts bras du trône s'étendent vers nous, encadrant la Vierge Marie et le Christ ; Dieu le Père, planant au-dessus, les bras ouverts, les présente. Des rayons dorés jaillissent de sa bouche et se déversent sur la colombe, symbole du Saint-Esprit. Les trois personnes de la Trinité (Dieu le Père, Jésus-Christ et le Saint-Esprit) sont ainsi représentées.
Ce fut la première œuvre de Domenico à Florence. Il fut peut-être impressionné par la célèbre fresque de la Trinité du peintre florentin Massacio, dans l'église voisine de Santa Maria Novella, elle aussi située à l'intérieur d'une arche fictive en pierre grise. » (Commentaire National Gallery)

Vierge à l'enfant (1435-37). Tempera sur bois, 86 × 61 cm, Berenson Collection, Florence. Par rapport au Tabernacle Carnesecchi, la solennité laisse place ici à la douceur et à la délicatesse du geste de la Vierge qui propose une fleur à l'Enfant Jésus. Le peintre a choisi des couleurs lumineuses, y compris pour l'arrière-plan.

L'Adoration des Mages (1440-43). Tempera sur bois, diamètre 84 cm, Staatliche Museen, Berlin. Selon la mythologie chrétienne, trois mages (astronomes) auraient suivi une étoile vers le lieu de naissance de Jésus-Christ. Arrivés près de Jésus, ils lui offrent l'or, l'encens et la myrrhe. Veneziano associe une foule nombreuse au premier plan et un paysage profond à l'arrière-plan. Noter la somptuosité des costumes. Les « primitifs flamands » ont souvent représenté la scène mais de façon beaucoup plus resserrée : Gérard David, Gérard de Saint-Jean, Quentin Metsys.
« Domenico revint de Pérouse à Florence en 1439 et entreprit la réalisation des fresques illustrant des épisodes de la vie de la Vierge dans l'église Sant'Egidio, à l'intérieur de l'hôpital Santa Maria Nuova. (Ces fresques furent détruites au XVIIIe siècle.) Le médaillon de L'Adoration des Mages fut probablement peint durant une interruption des travaux à Sant'Egidio.
Ce tondo témoigne clairement de l'influence de Gentile da Fabriano sur Domenico. À l'instar du Retable Strozzi, le sujet traditionnel est représenté comme une scène chevaleresque ou courtoise, foisonnant de personnages vêtus de costumes luxueux et élégants, tous décrits avec une grande précision. Cette description minutieuse, également présente dans le paysage, et la présence de motifs de chasse, sont le fruit de l'influence de la peinture nordique sur Domenico, notamment à travers les œuvres de Pisanello. Pourtant, certains éléments formels et compositionnels, tels que la qualité sculpturale des figures, leur solidité et leur poids, ainsi que la précision de la perspective, attestent clairement que ce tableau est une œuvre de la Renaissance. Le tondo berlinois est l'une des œuvres qui illustrent le plus clairement les influences fondamentales sur l'art de Domenico.» (Commentaire Web Gallery of Art)

Retable Magnoli. La Vierge à l'Enfant et les saints (v. 1445). Tempera sur bois, 209 × 216 cm, Galerie des Offices, Florence. Ce retable provient de l'église Santa Lucia dei Magnoli de Florence mais il est actuellement conservé à la Galerie des Offices. Il s'agit d'une conversation sacrée, thème qui se développait à l'époque. La Vierge et l'Enfant Jésus sont entourés de personnages de saints qui semblent bavarder entre eux. Les personnages représentés ne sont pas contemporains l'un de l'autre. Ici de gauche à droite : saint François d'Assise, saint Jean-Baptiste, saint Zénobe de Florence et sainte Lucie de Syracuse. Lumière douce et naturelle, tons pastel, perspective maîtrisée font de ce retable une grande réussite de la première Renaissance.
« La perspective architecturale qui entoure les personnages est magnifiée par le motif géométrique du marbre incrusté. À l'arrière-plan, on aperçoit, à travers une ouverture, les branches de trois orangers se détachant sur un ciel bleu. La lumière du soleil, venant du coin supérieur droit, souligne les contours des figures et dynamise les tons très clairs. Ces couleurs ont influencé Piero della Francesca, le jeune collaborateur de Domenico, pour la réalisation des fresques disparues illustrant la vie de la Vierge dans l'église Saint-Égide. La prédelle est partagée entre trois villes : saint François recevant les stigmates et saint Jean dans le désert se trouvent à Washington. L'Annonciation et le Miracle de saint Zanobe sont conservés à Cambridge. Le Martyre de sainte Lucie se trouve à Berlin. » (Commentaire Google Arts & Culture)

Retable Magnoli. La Vierge à l'Enfant et les saints, détail 1 (v. 1445). La Vierge est placée dans l'arche centrale et éclairée depuis la droite du tableau (la partie gauche du visage est dans l'ombre).

Veneziano. Retable Magnoli. La Vierge à l'Enfant et les saints, détail 2 (v. 1445). Saint François d'Assise (à gauche) se serait rendu à l'église Santa Lucia en 1211. Saint Jean-Baptiste (à droite) est le saint patron de la ville de Florence. Le visage de Jean-Baptiste est un autoportrait du peintre.

Retable Magnoli. La Vierge à l'Enfant et les saints, détail 3 (v. 1445). Saint Zénobe de Florence (à gauche) est le saint patron du diocèse. L'église de Santa Lucia, comme son nom l'indique, est dédiée à sainte Lucie (à droite).

Retable Magnoli, prédelle. La stigmatisation de saint François (v. 1445). Tempera sur bois, 27 × 31 cm, National Gallery of Art, Washington. A la fin de sa vie, François d'Assise (v. 1181-1226) se retire dans un monastère où, selon la légende, il aurait reçu des stigmates, c'est-à-dire des traces de plaies semblables à celles du Christ après la crucifixion.

Retable Magnoli, prédelle. L'Annonciation (v. 1445). Tempera sur bois, 27 × 54 cm, Fitzwilliam Museum, Cambridge. L'archange Gabriel annonce à la Vierge Marie la naissance prochaine du Christ (maternité divine de la Vierge selon le dogme chrétien).

Retable Magnoli, prédelle. Le martyr de sainte Lucie (v. 1445). Tempera sur bois, 25 × 29 cm, Staatliche Museen, Berlin. Lucie de Syracuse était issue d'une riche famille sicilienne. Elle est née au 3^e siècle et morte en martyr au début du 4^e siècle. Sous le règne de l'empereur Dioclétien (v. 244-311), elle fut mise en demeure d'abjurer sa foi chrétienne. Selon la légende elle résista à tous les supplices et on finit par lui enfoncer une épée dans la gorge.

Retable Magnoli, prédelle. Le miracle de saint Zénobe (v. 1445). Tempera sur bois, 28 × 32 cm, Fitzwilliam Museum, Cambridge. Zénobe ou Zenobius, Zenobio, Zanobi (v.337-v.417) est considéré comme le premier évêque de Florence. Originaire d'une famille non chrétienne, il se convertit et devint religieux. La légende lui attribue de nombreux miracles, en particulier la résurrection d'un enfant mortellement blessé par un chariot. Botticelli lui consacrera quatre tableaux.

Retable Magnoli, prédelle. Saint Jean au désert (v. 1445). Tempera sur bois, 28 × 32 cm, National Gallery of Art, Washington. Saint Jean se dépouille de ses vêtements pour vivre en ermite dans le désert. Paysage vaste et profond, luminosité apportée par les couleurs très claires.

Vierge à l'Enfant (après 1447). Tempera sur bois, 83 × 57 cm, National Gallery of Art, Washington. Cette douce et élégante Vierge aux couleurs tendres est l'un des derniers tableaux de Veneziano. On remarque la tapisserie fleurie constituant le fond, qui rompt avec les fonds or du début du siècle.
« La Vierge à l'Enfant de Washington et les saints Jean-Baptiste et François du musée Santa Croce de Florence appartiennent tous deux à la dernière période de Domenico et présentent une forte parenté stylistique avec le Retable Magnoli.
La Vierge de Washington arbore la même figure élégante et douce que l'on retrouve chez tous les personnages féminins de Veneziano. L'arrière-plan est occupé par une haie fleurie, motif devenu alors courant dans la peinture florentine du milieu du Quattrocento.
La datation de ce tableau fait débat : certains spécialistes pensent qu'il a été peint juste avant le Retable Magnoli, tandis que d'autres le considèrent comme une œuvre de jeunesse. L'hypothèse la plus convaincante le situe après 1447 : certains éléments présents dans cette Vierge, tels que les couleurs pâles et le modelé très sculptural des figures, sont caractéristiques des œuvres tardives de Domenico. » (Commentaire Web Gallery of Art)

Analyse détaillée

Saint Jean-Baptiste et saint François (1454). Fresque, 190 × 115 cm, Museo dell'Opera di Santa Croce, Florence. Ces deux saints figuraient déjà sur le retable Magnoli (tempera sur bois), mais il s'agit ici d'un morceau de fresque qui a été conservé. Les couleurs d'origine ont été fortement altérées. La quiétude des deux saints du retable fait place à une mise en scène dramatisant la représentation : visage émaciés, vêtements en haillon pour Jean-Baptiste. Visiblement, cette dernière œuvre met en évidence une évolution stylistique de l'artiste.
« Les deux figures, représentées en pied, sont figurées sous une voûte en berceau en trompe-l'œil ; elles sont très semblables, tant par leur forme que par leurs tons pâles, aux figures de Jean et François du Retable des Magnoli, à ceci près qu'elles sont modelées avec plus de solidité et que le dessin est plus affirmé, éléments que la plupart des historiens de l'art attribuent à l'influence de la peinture de Castagno. Vasari avait d'ailleurs attribué la fresque à Andrea. Ce changement dans les œuvres tardives de Domenico peut probablement s'interpréter comme une volonté d'intégrer les évolutions les plus récentes de la peinture florentine, qui s'orientait alors vers le linéarisme de Filippo Lippi et d'Andrea del Castagno. Les saints de Santa Croce illustrent ainsi la manière dont l'artiste a su interpréter l'influence de l'art contemporain, témoignant une fois de plus de la cohérence de son évolution stylistique. » (Commentaire Web Gallery of Art)